sábado 4 de febrero de 2012

Crítica de TV - ENLIGHTENED (Primera temporada) - 9/10

Buscando el enfoque a la vida




Imagino que como casi todos vostros leo muchos blogs, estamos en twitter y nos dejamos influir muchas veces de manera errónea por el gusto del resto, de manera que algunas veces aciertan con nuestros cánones personales y otras tantas no. Al leer la sinopsis de una nueva serie de HBO Enlightened (Iluminada, 2011) me pareció un argumento curioso, el cómo una persona pasa del estrés y de una ruptura a un estado de bienestar teniendo que lidiar con los mismos problemas que tenía antes.

Además de eso tenía buenos ingredientes, con la actriz Laura Dern de protagonista y muy metida en el proyecto como productora y grandes nombres en la dirección: el enorme Miguel Arteta (The good Girl) y el oscarizado Jonathan Demme (El silencio de los corderos). Además la serie es de una duración muy apurada que no llegaba a la media hora y pocos capítulos por temporada, 10 para ser concretos. Todo pintaba perfecto y me apetecía mucho ver la serie hasta que de repente una gran corriente críticas negativas me la quitaron del horizonte y la dejé pasar. Cuando Laura Dern ganó el globo de Oro me dije “ten tu propia visión, ve la serie y saca tus conclusiones”. Así que eso hice y ha sido uno de los grandes aciertos que he realizado en mucho tiempo, Enlightened me parece una pequeña joya del cine independiente enfrascada entre unos personajes adorables que huyen de las convenciones televisivas actuales y que habla de frente sobre la vida. Me vi la serie en tres días. Os digo todo.

¿Pero de qué va concretamente Enlightened? Pues de una mujer que se acostaba con su jefe y ve como de la noche a la mañana la relegan de su departamento, que ella creía su vida, y tiene un ataque de nervios que la hace salirse por completo de sus casillas. Entonces decide ingresar en una clínica de rehabilitación donde aprende a buscar la luz y tratar de reprimir sus cambios bruscos de humor, después vuelve al trabajo donde la han relegado al sótano a un trabajo ridículo y tiene que tratar de lidiar con su nueva vida: sus amigas y compañeras de trabajo piensan que está loca y se burlan de ella completamente, su ex marido es un adicto a las drogas y ella tratará de ayudarle, su antiguo jefe la rehúye y tiene que vivir con su madre que nunca le ha dado el afecto que necesita y tienen una relación peculiar.

En su nuevo puesto conocerá a una tropa de solitarios, de gente corriente, de perdedores de la sociedad, de marginados y ella tratará de nadar entre ellos con diferentes maneras y formas de ser. Mientras tanto buscará un sentido a su vida y reprimir sus ataques de ira y locura.

Reconozco que es una serie muy peculiar y particular y que yo me siento incómodamente identificado con ella, yo también he sabido lo que es perder la cabeza y hacer cosas que parecen locuras pero que en tus ojos parecen justificadas, y esta serie es una especie de terapia reveladora, de un libro de autoayuda enfrascado entre historias corrientes, una serie que no tiene un sentido lineal, ni un misterio que resolver ni una línea de guión clara, sino un estudio de personajes y caracteres que bebe directamente del nuevo cine independiente americano, plagado de perdedores: el capítulo noveno sin ir más lejos, es puro, auténtico, sincero, nostálgico y profundamente triste.

Uno de los mayores hándicaps de la serie es que la han vendido como comedia, lo cual es absurdo desde cualquier punto de vista, esta serie es un drama. un drama humano, un drama cercano del día a día corriente de las personas y, es cierto, que tiene toques de comedia principalmente surgidos por la portentosa interpretación de Laura Dern, pero no deja de ser triste todo lo que le sucede, y más aún cuando comprendes su psicología y lo mucho que se está esforzando en encajar con el prototipo que se espera de ella.

Como secundarios tenemos a Mike White, creador, guionista y director de varios capítulos que le conocemos por Escuela de Rock y por su doble participación en el reallity “The Amazing Race” junto a su padre (como curiosidad hay un cameo en dos episodios de Victor que compitió en la edición 14 junto a su hermana). Otro de los secundarios como ex marido de la protagonista es Luke Wilson que da en cuerpo y alma a un verdadero perdedor y creador de algunas de las situaciones más incómodas de la serie (las veces que se droga, prostitutas…), aunque la verdadera alma de las secundarias es Diane Ladd cuyo capítulo protagonista es de tal preciosidad y difícil composición que solo puedo alabar la entereza de su interpretación.

En resumen, Enlightened es mucho más que una portentosa interpretación de Dern, es algo totalmente diferente a lo que hay hoy en día en televisión, no es tanto una serie sino fragmentos de cine independiente con toques de autoayuda. No es una serie mainstream, no es una comedia y no suceden demasiadas cosas pero con la mesura justa y simplemente con tratar de comprender a los personajes se puede convertir en una de tus series favoritas. Para mi una auténtica revelación y disfrutable en cada plano.

Ponte a verla si… te gusta el cine independiente americano estilo Ghost World, American Splendor…

Lo mejor: Las interpretaciones, el tono de la serie y el noveno episodio. Puta obra maestra
Lo peor: Algunas veces es excesivamente irritante la protagonista por no reaccionar, pero todos lo hemos hecho en la vida.

Valoración: 9/10

miércoles 1 de febrero de 2012

VIP CINE AWARDS 2011 - CAT. EXTRAS DE INTERPRETACIÓN (10/30)

SEXPOT DEL AÑO


Esos actores con magnetismo que nos cortan las respiración con sus escenas


Historia:
2002 – Diane Lane (Infiel)
2003 – Ludivine Sagnier (Swimming Pool)
2004 – Nikki Reed (Thirteen)
2005 – Maria Bello (Una Historia de violencia)
2006 – Gong Li (Memorias de una Geisha)
2007 – Las chicas al completo (Death Proof)
2008 – Ludivine Sagnier (Una chica cortada en dos)
2009 – James Franco (Mi nombre es Harvey Milk)
2010 – Jon Kortajarena (Un hombre soltero)


Y los nominadas de 2011 a MEJOR SEXPOT DEL 2011 son

domingo 29 de enero de 2012

VIP CINE AWARDS 2011 - MEJORES ESCENAS (6/30)

 Premio a los mejores momentos que nos ha deparado 2011


Escena del año

Historia:
2002 – Spiderman (el beso)
2003 – Chicago (las prisioneras)
2004 – Lost In translation (Bob y Charlotte en la cama)
2005 – Birth (la ópera)
2006 – Caché (degollamiento)
2007 – Promesas del Este (el baño turco)
2008 – No es país para viejos (cara o cruz friendo)
2009 – (500) Dias juntos (escena musical)
2010 – Toy Story 3 (incineradora)

Y las nominadas de 2011 a MEJOR ESCENA DEL 2011 son


THE ARTIST
Una pesadilla sonora a cargo del protagonista que deja a la platea en silencio ¿esto no se supone que era mudo? me molesta el ruido!!


TINTÍN Y EL SECRETO DEL UNICORNIO
Persecución por las calles de Marruecos, todo un prodigio técnico, de ritmo, de imaginación, sonoro, visual... es simplemente perfecta


SUPER 8
El descarrilamiento del tren. O cómo quedarte con la boca abierta




MISION IMPOSIBLE PROTOCOLO FANTASMA
Escalada de Dubai. Todo en esa escena es espectacular, da vértigo y es una de las mayores subidas de adrenalina que he tenido jamás, por no hablar de ese humor "No me jodas" o la entrada final de SImon Pegg




DRIVE
Esta escena dura 3 minutos de la película pero es tan perfecta en todos los matices que merece la pena verla una y otra vez



Finalistas
En la boda mi mejor amiga me pareció brillante la escena en el avión donde Kristen Wiig explota su vis en todo su esplendor; 127 horas nos regalaba una escena durísima con un brazo de por medio; la fiesta de Beginners me recordó por qué amo las comedias románicas bien hechas y con encanto; Attack the block tiene muchos momentos geniales pero el ataque en casa de las chicas con el patinaje sobre hielo como arma es divertidísimo, El árbol de la vida y el preciosísimo nacimiento del universo, en Somewhere ese momento reflexivo durante el maquillaje es puro Coppola; en Criadas y Señoras la escena de Aibeleen contando la historia de su hijo pone la piel de gallina; Drive tiene una genial escena en el motel con la barra de ducha y Secuestrados con un huevo de decoración, En The Artist la escena donde Dujardin rueda con Benjo es sublime en carisma e interpretación. No hay que olvidarse de la acción con la tormenta de arena de Mision Imposible: Protocolo fantasma, la pelea de barcos de Tintin y el secreto del Unicornio o la escapada de Hanna. Pero uno de los momentos más WTF? pertenece a El Origen del planeta de los Simios cuando habla.


Dale a leer más para ver las mejores escenas de sexo, mejor inicio y mejor final de una película del año.

VIP CINE AWARDS 2011 - MEJOR CAMPAÑA DE MARKETING (2/30)

MEJOR CAMPAÑA DE MARKETING (2/30)

Historia

2002 – Spiderman
2003 – Matrix Reloaded
2004 – Mar Adentro
2005 – King Kong
2006 – Alatriste
2007 – El Orfanato
2008 – Monstruoso
2009 – Avatar
2010 – Origen


Y estos son los nominados a mejor campaña márketing 2011 son...

VIP CINE AWARDS 2011 - MEJOR CARTEL (1/30)

MEJOR CAMPAÑA DE MARKETING (2/30)

Historia

2002 – Hable con ella
2003 – Chicago
2004 – El Fantasma de la Ópera
2005 – Match Point
2006 – Hard Candy
2007 – Paris je T’aime
2008 – Vicky Cristina Barcelona
2009 – Moon
2010 – La Red Social


Y estos son los nominados a MEJOR POSTER 2011 son

THE ARTIST
Elegante, sobrio, cinematográfico, clásico, en blanco y negro... ¿no es eso de lo que va la película?





UN DIOS SALVAJE
Un homenaje a Warhol con los cuatro actores de la cinta pasando por distintas emociones. La película resumida en un póster y con ese aire semi cómico que es el tono de la misma.

SUPER 8
La vuelta de Struzan dando ese aroma ochentero al que la película remite. Los teaser inclinados también me parecen una genialidad


EL ÁRBOL DE LA VIDA
Una imagen poderosísima, muy bien iluminada que resumen el concepto general de la película. Luego se utilizaron los ojos de Pitt, pero el concepto está intacto. Gran trabajo y muy delicado.




HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE PARTE 2
Ryan Gosiling al volante, mirando fuera de plano, con ese brillo tan característico de la película. Y el gran acierto del rosa en la tipografía



FINALISTAS
Beginners divertido, simpático, fresco, original, La piel que habito esas dos caras sin dejar aire al espectador, Scream 4 o la barbilla de Ghostface convertida en cuchillo, un gran detalle, El Cisne Negro hubo teaser magníficos pero el final me dejó frío, aún así consiguió aunar la dualidad de la película, Melancolía Con Kirsten Dunst de novia dejándose llevar por la corriente. Precioso y muy lírico

Mañana las nominaciones a los VIP Awards



Mañana daré a conocer las nominaciones a los VIP Awards Cinema 2011 que premiarán lo mejor en el ámbito cinematográfico que se ha estrenado en España durante 2011.

Estos premios los llevo realizando desde 2002, con 30 categorías diferentes y concedo un premio al mejor de la categoría y una mención al segundo.

la película ganadora del año pasado fue Toy Story 3, pero en conjunto La Red social consiguió llevarse 7 premios.

VIP AWARDS En estadísticas.

La película que más Vip’s cinema de Oro ha ganado ha sido Lost In Translation que en 2004 se hizo con 9 premios, seguida por La Red Social, Las Horas, Match Point y Slumdog Millionaire todas ellas con 7 premios.

El Top 10 queda así configurado:

sábado 21 de enero de 2012

LOS DESCENDIENTES (The descendants, 2011) - *****

 Somos como un archipiélago: Vivimos unidos pero cada uno somos una isla diferente




Una de las tareas más difíciles puede ser la de encuadrar “Los descendientes” en un simple y mero género. Ha ganado el globo de Oro a mejor drama, y en esencia las cosas que cuenta así lo son: dramáticas. Sin embargo la película se pasea por la cuerda floja de no ahondar la tragedia y no mostrar los momentos eminentemente más lacrimógenos (no hay más que ver cómo la despedida de la niña pequeña podría habernos hecho derramar mares de lágrimas y sin embargo nos dejan la situación a puerta cerrada).

Entonces, si no es un drama ¿es una comedia? Claramente no. Pese a tener alivios cómicos, un patetismo manifiesto en ciertas maneras de encuadrar las situaciones y hacernos ver lo ridículo de muchas cosas (ese Clooney mirando sobre el arbusto) y ese aire “happy ending” rodeado de paisajes paradisíacos, esta cinta es demasiado seria para poderla englobar en esa etiqueta. No hace comedia del drama, únicamente lo desengrasa.

¿La podemos llamar entonces comedia dramática?
Pues creo que tampoco, creo que el peso de la cinta es la historia, donde reside la fuerza es en el hecho del aprendizaje de un hombre maduro a tener que lidiar con su nueva situación y mantener la cabeza sobre ello. Hay demasiados momentos que son como puntadas en el estómago y que te hacen reconsiderarte continuamente lo que estás viendo. Como si todo tuviese un tono prácticamente imposible.

¿Entonces, qué es? Pues simple y llanamente “Los descendientes” es un peliculón, es una caricatura de la vida, un drama ligero, una situación que roza la desgracia pero de la que el protagonista trata de sobreponerse a golpes de vida y Alexander Payne acompañado de su propio guión (coescrito con Nat Faxon y Jim Rash) nos hace replantearnos donde estamos en cada momento, como si estuviésemos en un alambre increíblemente tensado y pudiéramos caernos de él en cualquier momento. Como si no supiésemos que todo es una genialidad absoluta porque rodeada de un aire de ligereza que hace de la película una auténtica obra maestra del cine contemporáneo, una conjunción perfecta de los esquemas del nuevo cine independiente americano con los esquemas del cine comercial, como si alguien centrado en contar una historia sencilla se sirviese de una de las mayores superestrellas del mundo para entregarnos un trocito de vida con una manera de narrar tan particular que debería permanecer en la historia como una de las grandes obras de este momento y lugar.

Pero vamos por partes, Alexander Payne ya nos ha demostrado con sobrada solvencia que es capaz de enseñarnos a sentir una extraña afinidad con personajes masculinos que tienen que lidiar con aceptar las situaciones que se les vienen encima con la mejor de sus sonrisas. Lo hizo con “A propósito de Schmidt” (About Schmidt, 2002) y ese inconmensurable Jack Nicholson aprendiendo a vivir en la tercera edad cuando estaba acostumbrado a tenerlo todo hecho.
Después nos lo enseñó claramente con Paul Giamatti en “Entre Copas” (Sideways, 2004) con su aire de perdedor e incapaz de dar el paso adulto a la vida.
Aquí volvemos a encontrar ese personaje y esos esquemas en el personaje protagonista al que encarna George Clooney con una interpretación inconmensurable en matices, en miradas, en fuerza, en expresión corporal y con una fragilidad y entereza al mismo tiempo que asusta.

El personaje principal tiene que lidiar con el accidente de su mujer postrada en coma y acercarse a dos hijas con las que nunca ha tenido relación, una de diez y otra de diecisiete años. A la vez tiene que llevarse de marras al novio de esta última, un puro “dude” colgado que parece más tonto que lo que es. Esto le llega en una situación convulsa, ya que es junto a sus primos heredero de una grandísima porción de tierra de una isla Hawaiana que tienen que decidir vender a magnates locales, extranjeros o preservar por el bien paisajístico.

Con todo esto de por medio, se entera de un matiz de su relación conyugal y de su situación que le harán embarcarse en una road-movie hawaiana con sus hijas a cuestas para entender dónde está en la vida y que da pie a situaciones cómicas pero cargadas de una humanidad comparable al cine de Billy WIlder o Renoir, y sobre todo una gran capacidad de hacerte cambiar la sonrisa por una punzada en el corazón con una frase, un gesto de Clooney, un derrotismo o una victoria.
Y es que los personajes, todos y cada uno llevan un drama interno en su soledad que conmueve y te hace quererles. Desde la rebeldía de cualquiera de las hijas, tanto la pequeña con sus aires de macarra a la mayor (increíble y fascinante Shailene Woodley, todo un descubrimiento) con su improvisado rol de hermana mayor ya no de la que lo es, sino también de su padre; pero también con el suegro en esa escena con su hija que es capaz de romper las corazas y los prejuicios hace cualquier tipo de cine con un solo beso rozando una sensibilidad brutalmente inesperada.

El otro personaje silencioso es el archipiélago de Hawai que se vive y se respira en cada poro del metraje. No es sólo un emplazamiento bonito para la acción, no es un lugar al que decorar con bella fotografía, sino un encuadre que da las pistas para todo lo que se desarrolla, desde el amor por el paisaje de los lugareños, al aire de patetismo del vestuario de todos ellos, ese elemento de que en el paraíso también hay infiernos y que no todo es esa imagen de gente feliz y surfeando con collares de flores (ojo a cómo y cuándo se utiliza este elemento en la película porque es un detalle de absoluta genialidad) y sobre todo se respira en la música, en el conjunto de canciones que componen todo el soundtrack que suena a música local y enfatizan ese cierto aire de ligereza que la película quiere transmitir. La música es un acierto importantísimo, de verdad.

Y es que la tierra de Hawai está presente por algo, es eso que le falta al personaje principal, el cómo pese a ser un descendiente de la realeza isleña él ha perdido su toque con la isla: las niñas comentan que acampaban con la madre, pero él está encerrado entre papeles de abogado que se podían hacer en cualquier ciudad desarrollada del mundo. Ese lazo que pierde con su auténtica naturaleza es la que irá reencontrando poco a poco en la mirada de Clooney según avanza su peculiar “road-movie”.

Ese sería otro género ligado a la película, porque es un viaje físico (aunque apenas se muevan) que le lleva al protagonista a madurar y encontrar su equilibrio tanto con sus propios descendientes como de los que él proviene y por el camino se apoya en personajes secundarios que van interviniendo en la historia con mayor o menor peso en su historia pero todos llenos de matices humanos que evitan las caricaturas. El suegro es hosco y enfadado hasta el extremo por la situación de su hija, pero lo hace por amor a ella. El “novio” de la hija Sid parece una persona simple y ridícula, y luego vemos que es más que todo eso, que quizás la simpleza es su forma de acercarse a la gente… Y así con todos, el argumento está tan bien explicado en los primeros diez minutos que nos dejan mucho tiempo y silencios para que pensemos qué es cada personaje y por qué está así, para que valoremos que la película (y la vida) es más compleja que una trama lineal.

Nos vestimos de la piel de estos personajes y llegamos a comprender como piensan y sufren lo que hay y por qué actúan así. Hay mucha más película que la que vemos sobre la pantalla, os lo aseguro. Porque “los descendientes” no es solo una historia, es un estudio sobre el ímpetu y la voluntad humana, la necesidad de encontrar culpables, el carácter de cada uno y lo que nos acerca y nos aleja de los seres humanos que nos rodean, de lo patético de todos, de lo entrañable de nuestras imperfecciones.

Por eso “Los Descendientes” es una película independiente en el corazón, puedes ver lo que quieras en ella, quedarte únicamente con una interpretación magistral de un canoso Clooney que vuela de sobremanera haciendo más grande su muesca en la historia del cine, pero dentro de la cinta hay mucho más: hay alma, hay vida, hay confort, hay esperanza y sobre todo hay humanidad, limpia, transparente y eminentemente imperfecta.

En resumen, Los descendientes es una absoluta obra maestra, es un drama que no ahonda en ello, una comedia tan triste como puede ser la vida, una road-movie en la que los personajes apenas se mueven y una lección de cine sobre cómo dotar a una buena historia de corazón y llevarla mucho más allá de los 120 minutos sin necesidad de maniqueísmos ni histrionismos, sino como si se tratara de un pequeño cuento que habla de palabras mayores pero nunca se le queda grande. Un auténtico tour de forcé arriesgadísimo que nos hace pensar, compartir pensamientos y llegar junto a cada personaje a la misma conclusión: La vida es mejor si todos tratamos de acercar nuestra isla al archipiélago de las personas que tenemos al lado.
Imprescindible.

A favor: La sensación que deja
En contra: Que no entres en ella o pienses que es otra más

Valoración: 10/10

miércoles 18 de enero de 2012

SHERLOCK HOLMES 2: JUEGO DE SOMBRAS (2012) - ***

Parece Sherlock pero no lo es



Ya perdimos la esperanza con la primera entrega de ver nada que se le pareciese a Sherlock Holmes salvo el título y que los personajes se nombran unos a otros como si se creyesen los creados por Arthur Conan Doyle. Y no me quiero volver purista con esto de las adaptaciones pero en esta nueva “saga” del detective, principalmente lleva el título por razones puramente económicas porque por no haber no hay ni un “elemental mi querido Watson”. Llamadme arcaico, pero me encanta la atmósfera anglosajona de Sherlock en su despacho escuchando un paso en la escalera y escuchando al cliente su historia y meditando si envolverse o no en el caso.

Poco de aquello quedaba en la primera parte de esta nueva adaptación de Guy Ritchie de 2009, pero que encontré como una sana y barroca adaptación curiosa y graciosa. El problema surge al querer hacer marca de ello, y principalmente, les ha salido rana porque entre una y otra ha aparecido esa genialidad televisiva llamada Sherlock donde han sabido perfectamente adaptar al nuevo público la historia de siempre. Pero vamos por partes.

En esta nueva entrega nos encontramos con un prólogo en el que se declaran las intenciones absolutas del director: esto es más de lo mismo, con más ingredientes del mismo particular estilo videoclipero que le funcionó en “Snatch, cerdos y diamantes” y dejando (todavía) más manga ancha a Robert Downey Jr. para hacer el gamberro con su personaje. Por la primera consiguió el globo de Oro, por esta segunda puede entrar en un circo sin problemas. Ha sucedido lo mismo que con el capitán Sparrow, que tras la sorpresa de sus primeras encarnaciones lo que rascamos debajo no es más que superficialidad y ganas de gesticular en exceso en cada escena. Pero va a gustos. Supongo.

La historia sigue encontrándose en ese Londres victoriano de fantasía cargado de explosiones, armas, efectos especiales y demás parafernalia que nada tiene que ver con la realidad, pero que acepto sin más porque está realmente lograda la ambientación de Londres (y Paris, y Suiza…) aunque haya que mirar rápido porque los cromas van a cierta velocidad para que no nos dé excesivo tiempo a rascar entre costuras. Es lo que considero ese tipo de películas modernas que se interpretan con disfraces de época, aún así lo considero lo mejor porque si tuviera que decir lo que más me ha gustado ha sido precisamente la fotografía con momentos realmente logrados como la huida por el bosque donde cada plano parece un cuadro.

El empaque visual es el mismo, pero ¿en materia de argumento?
Pues la película trata de introducir grandes sorpresas como que el Dr. Watson se casa, de ahí parte la película y de un Moriarty a cara descubierta, tan malo que es capaz de cargarse a la guapa de El diario de Noa sin remordemientos y confabulando en contra de todos los países para provocar una guerra poniendo bombas por todos lados para vender él las armas para forrarse: desde pequeñas pistolas automáticas a grandes cañones. Entonces Holmes debe detener las explosiones para proveer la paz en Europa. 

No os engañéis, pese a que la idea es buena (me resulta excesivamente "grande" para Holmes), está tan farragosamente contada que en varios momentos nos preguntaremos ¿Y los gitanos estos qué pintan? ¿Y por qué van ahí? Y así sucesivamente. Además el estilo de Guy Ritchie hace algo super tramposo y es no enseñar apenas cartas al espectador para permitirle jugar, es decir te enseña lo que le da la gana cuando le da la gana con lo cual no sabemos de la existencia de libretas rojas u otros elementos hasta el final mismo. Con lo cual cuando todo se desenvuelve te quedas exactamente igual que estabas.

Y es el gran error de este “Sherlock Hokmes 2: juego de sombras”, que todo parece confinado a la acción y no a la deducción, a que no pienses sino que te dejes llevar por las peleas. Las escenas de persecuciones y disparos en algunos casos son tan largas que estás deseando que cojan el tren por agotamiento y no porque quieras que se salven. En ciertos momentos me daba exactamente igual que muriera cada personaje, me importaban realmente poco y es que a favor de la espectacularidad no desarrollan absolutamente nada la relación Watson-Holmes (que es el pilar de esta historia) por no hablar de lo metido con calzador que está el papel de Naomi Rampace.

Cualquiera que esté leyendo esto pensará, un protagonista de acción deteniendo bombas, a escala europea, con mucha acción ¿no parece más una película de Bond victoriana que de Sherlock Holmes? Efectivamente. Por más que traten de tener escenas inteligentes entre Sherlock y Moriarty (y para hacernos ver que son inteligentes ponen un ajedrez, porque el ajedrez es de gente inteligente, ya tú sabes), por más que busquen sofisticación aquí hay gadgets, aquí hay un malvado con aires de grandeza y un bueno que resuelve a golpes en lugar de hacerlo mediante la deducción, ¡hasta Watson dispara un cañón gigante para salvarle!

Por ello es mejor olvidar cualquier idea de detectives y abrazar Sherlock Holmes 2: juego de sombras como un mero juguete de entretenimiento al servicio de un pagado de sí mismo Robert Downey Jr. Es la única manera de disfrutar de esta producción de dos horas que tiene baches en el ritmo y un argumento más que enrevesado directamente mal explicado.

En resumen, este Sherlock Holmes es más de lo mismo de la primera entrega, la primera amasó más de medio billón de dólares y si algo funciona ¿para qué tocarlo? Pues para mejorarlo, pero ante el miedo de pifiarlo lo han dejado todo casi igual. 
Pero claro, ya no es lo mismo.


Lo mejor:
La fotografía, que es entretenida y el sirviente del hermano de Holmes
Lo peor: Éste definitivamente no es Sherlock.

Valoración: 6/10

lunes 9 de enero de 2012

Crítica de TV - THE GOOD WIFE (Primera temporada) - 9/10

El pecado de ser la mujer de...


Voy a ser sincero. No sé por qué la dejé tanto.
Vi el piloto de “The Good wife” cuando se estrenó, por aquella temporada de 2009 y principalmente recuerdo que lo hice porque salía Chris Noth (aka Mr. Big). Recuerdo que me gustó y que me bajé 4 capítulos más pero nunca encontraron su lugar ni las ganas y la serie agonizo en mi disco duro y se quedó en el limbo.

El piloto me gustó pero lo que entreví es que se trataba de un procedimental más (capítulos autoconclusivos), y no me molesta este tipo de series, pero tampoco me enganchan. Para ver en la tele le puedo dar una oportunidad, pero para engancharme fervientemente no me entran ganas de poner otro.
Es cierto que The good wife partía con un punto de partida original (mujer del fiscal salpicada por escándalos sexuales y que retoma su vida profesional cuando su imagen está salpicada de ser la esposa de), pero no es la primera ni última serie que vende aire con originalidad de planteamiento y luego no hacen ni puñetero caso a eso.
Hoy reconozco que estaba equivocado con esta serie.

Hace unas semanas me planteé engancharme a alguna serie aprovechando que con mi hermana cerca se hacen más cosas “en familia” siempre y cuando no haya que leer subtítulos. Así nos dimos a Pequeñas mentirosas y ahora a esta The good Wife.

Los primeros compases de la serie son únicamente entretenidos, siempre tenemos un caso autoconclusivo del buffete de abogados para el que trabaja la protagonista y de ahí como trasfondo se van desarrollando las tramas personales de los integrantes del buffete y la “conspiración” contra el marido. Y diréis otra serie de abogados y van…
Pues sí, van muchas (demasiadas) series de abogados, pero esta tiene una particularidad fundamental y es el hecho de que la protagonista trata de lidiar con su carrera en una edad ya madura y competir contra los jóvenes, a la par es madre de dos niños, ama de casa y tiene que lidiar con su marido en prisión y lo que le echan en cara por todos lados con demasiados conflictos de intereses.

Con esta particularidad está construida la serie pacientemente y viendo siempre los casos desde un punto de vista diferente, el de ella, el cómo se solidariza con las mujeres de cada caso, y trata de mantener una brújula moral respecto a cada caso a pesar de que muchas veces tiene que tragarse sus sentimientos o ser directamente utilizada por sus jefes o incluso los clientes.

Pero aparte de esto hay algo especial en la serie, algo que toca la seriedad y es la magnífica forma en la que está todo narrado, la pelota se va desarrollando sin complicaciones e incluso los casos más enrevesados son sencillos de entender. Hay una brillantez pocas veces vistas y una clara apuesta por el entretenimiento y los giros narrativos con resoluciones espectaculares y que sorprendentemente nunca caen en el ridículo o el hacerte sentir estafado. No sé muy bien cómo expresarlo pero no he visto ni un solo capítulo en esta temporada que me resultara aburrido o pesado, además no hay un solo diálogo absurdo o que chirría y hasta los niños encajan en la trama y sus líneas narrativas no molestan sino que en ocasiones son realmente divertidas (la de la hija con su amiga y la abuela de por medio me hizo hasta aplaudir).

Por si esto fuera poco la serie tiene otra cosa que es el gran aliciente y la guida del pastel. Las interpretaciones son una auténtica pasada. La protagonista Julianna Margulies con un Emmy bajo el brazo por la segunda temporada otorga a Alicia Florick un aire de ambigüedad y sobre todo de dignidad difícil de expresar. Y no hablo de florituras o momentos en los que se luce como una fuera de serie, hablo de lo bien que lleva el personaje en las escenas normales, de su lenguaje corporal al coger el vaso de vino al llegar a casa, de lo que transmite su mirada. Me cuesta imaginar otra actriz que complemente tanto con un personaje.

La otra roba escenas es Archie Panjabi, que con esta temporada gano un Emmy. Archie hace una gran interpretación y es mi favorita de toda la serie, pero el 90% de su carisma se lo debe a Kalinda, el personaje que le han regalado, ambiguo, divertido, inteligente y vulnerable. No ha sido hasta el cuarto final cuando he visto a la actriz debajo del personaje y tengo que decir que cada escena de ella es para aplaudir con las orejas.

El resto del reparto está impecable con menciones notables para actores invitados de primera fila como Martha Plimpton, pero sobre todo la sobresaliente interpretación de Christine Baranski como Diane Lockhart.

En resumen, la primera temporada de The good wife es una grandísima temporada de una serie muy compacta, con un aporte original, magistralmente escrita y mejor interpretada y que, y esto sí que me ha sorprendido, es increíblemente adictiva y sobre todo con un grandísimo ritmo que la hace verdaderamente entretenida y con algunos capítulos que recuerdan a obras maestras como 12 hombres sin piedad. Una serie imprescindible que a ti te encantará y tu madre amará. Palabra.

Lo mejor: Me lo he pasado como un enano
Lo peor: el desarrollo de Kalinda me está dejando un poco frío

Valoración: 9/10

martes 3 de enero de 2012

Así se eligen las nominadas a los Oscars

El follón de las papeletas preferenciales





Hace tiempo que me planteaba escribir este artículo pero no tengo claro que haya persona humana a la que le puede interesar porque poca gente hay tan friky en estos temas como yo. El caso es que mucha gente piensa que las nominaciones a los Oscar se deciden nominando cada miembro 5 películas, actores, directores… y se suman todos los votos y los que más tienen son los nominados… bueno no es así exactamente, es algo bastante más complejo y tiene un nombre: sistema de elección de papeletas preferenciales.

Voy a tratar de simplificarlo al máximo y llevarlo a mis palabras para ver si me sé explicar.

Cada miembro de la Academia (es decir persona con opción a voto), recibe una papeleta acorde a su categoría (actores votan a interpretaciones, directores a directores, técnicos de sonido a técnicos de sonido…) y al premio gordo que es el de mejor película. Nos vamos a centrar en este apartado para no liarnos demasiado pero son todas las categorías iguales.

Como no se trata de escoger la que más votos tiene sino la que más ha gustado por consenso en toda la Academia estos votos se ordenan por preferencias, esto es, la película que más te gusta en el primer lugar, la segunda en el segundo y así sucesivamente hasta rellenar los cinco huecos (los dos últimos años ascendió a 10 en la categoría principal pero esto ya se ha rectificado).

Una vez que se envía los votos se pasa a contarlos pero de manera muy particular y es que como entendéis no sería justo que si alguien está la primera en la papeleta obtenga el mismo peso que la quinta, así que lo que se hace es mirar en primera vuelta únicamente la película en el primer lugar es decir la favorita de cada miembro. Y se agrupan.

Siempre existe un número mágico que te da la nominación automática, este es el resultado de dividir el número total de votos entre los huecos para lograr la nominación más uno. Por ejemplo si hubiese 600 miembros en la Academia (es un suponer) la nominación la daría el estar en primer lugar en 100 papeletas, esto es 600 miembros/papeletas dividido entre 6 (5 huecos nominables más uno).

Pongamos por caso que esos 600 votos se distribuyen así, y pongo nombres de película para no volvernos locos:

101 – La invención de Hugo
79 – The Artist
70 – Criadas y señoras
70 – War Horse
70 – The descendants
65 – Los hombres que no amaban a las mujeres
50 – Moneyball
25 - Drive
20 – El árbol de la vida
19 – Midnight in Paris
15 – Harry Potter y las reliquias de la muerte parte 2
10 – J.Edgar
5 – Beginners
1 – La dama de hierro

En este ejemplo tendríamos automáticamente nominada a “La Invención de Hugo” y se retirarían las 101 papeletas de esta cinta y se distribuirían según su segunda opción. Por ejemplo (+30 para the artist, +20 para Criadas y señoras, +31 The descendants, +20 Drive), sé que es un ejemplo ridículo porque no se distribuye así, pero me vale de ejemplo. Entonces tendríamos:

The Artist – 109 – NOMINACIÓN
THE DESCENDANTS – 101 – NOMINACIÓN
Criadas y señoras – 90
….

Esto hace que ya tengamos tres nominadas y seguiríamos con el proceso mirando el segundo o tercer lugar en esta papeleta.
Pongamos que se reparten tanto que ninguna logra la nominación, entonces cortaríamos por abajo, y si por ejemplo 8 personas hubiesen votado en ese lugar a la dama de hierro, se retirarían junto a las 5 de beginners y se repartirían hasta conseguir el número mágico o se hayan agotado las opciones y tengan más votos.

Espero haberme explicado, se retiran y redistribuyen las papeletas de las películas clasificadas y las que menos votos han tenido.

Y ahora entran los cambios 2011. Dado que no todos los años hay diez películas que merezcan competir por el gran premio y hay veces que hay más de cinco cintas merecedoras, la institución decidió que el número de nominadas este año sería cualquiera entre cinco y diez. De nuevo, el recuento se hace por el sistema preferencial, aunque con correcciones para adecuarlo a este caso.

Esto es que tendremos entre 5 y 10 nominadas, con la salvedad de que ninguna película puede estar nominada con menos de 5% de votos en la primera ronda, esto es que da igual que en el primer ejemplo las 100 papeletas de Hugo llevasen escritas la Dama de Hierro en segunda opción, esa película estaría descalificada en la primera ronda.

¿Os habéis enterado de este cacao? ¿Qué os parece?

lunes 2 de enero de 2012

A YEAR IN REVIEW 1 - LAS PEORES PELÍCULAS DE 2011


Podrían haber estado sin problemas películas como Sin Salida, 23F o soy el número 4,  (ya que ninguna de ellas la he visto). Y si se hubieran estrenado en España estarían dos cintas infumables como Jack y su gemela y Marte necesita madres. Tampoco me gustó nada La piel que habito, pero reconozco que no es mala cinta ni mucho menos, solo que no me gustó.  Pero para mí, estas son las 10 peores películas del año.


10 -Cars 2


Cars era ya la peor película de Pixar, ésta es como si George Lucas se inventara otra pre precuela de Star Wars protagonizada por Jar Jar Binks. Igual de divertida que ver a alguien jugar a un videojuego.

9 - Caperucita Roja

 
O cómo pasarse dos horas intrigado de porqué caperucita no se abriga más para ir por la nieve. La chica no es friolera, se pasea por el bosque en manga corta. ¿el argumento? ¡A quién le importa! El caso es que es un pueblo que parece un after discotequero y un romance vomitivo entre un lobo con más expresividad que la propia caperucita. En serio, la comparan con crepúsculo pero por lo menos en aquella dan a los adolescentes hormonas que es más de lo que hay aquí.
  
8- 8 - Copito de Nieve




Madre mía. Si me dieran a elegir entre volver a ver Copito de nieve y clavarme cerillas ardiendo bajo las uñas… probablemente vería Copito de Nieve pero me lo pensaría dos veces. Me resulta increíble que en pleno 2011 se sigan haciendo esos guiones tan planos y cargados de moralina barata que huelen a rancio hasta a los niños. Y que nadie me venga con que para ser española… porque su entrada cuesta igual que Rango, Up o Toy Story 3. El problema no es la nacionalidad sino la falta de imaginación y talento.

7 -7 - Linterna Verde 




    “Hola, os gustan las películas de superhéroes. Linterna Verde es un superhéroe. Por favor dejad vuestro dinero a la entrada para ver a Linterna Verde hacer cosas de superhéroes” No hay nada más por ningún sitio, es torpe, ridícula y carente de cualquier sentido de la imaginación.


6 - 6 - Noche de fin de año




Nunca he sido seguidor de estas películas de historias cruzadas porque me terminan por calar poco los personajes y cuando cambian de una a otra me suele parecer muy brusco. Love Actually aún así tiene mucho encanto, la de San Valentín de éste director no la terminé de ver. Y aún así me parece significativamente mejor que este Fin de Año en el que no se salva ni una historia, pero ya no de ser buena sino de no dar verdadera lástima. Que paren ya de hacer estos inventos. ¡Por favor!

Y EL TOP 5, LAS PEORES PELÍCULAS DEL AÑO TRAS EL SALTO

martes 27 de diciembre de 2011

Marco, ¡Quién te ha visto y quién te ve!

Review y crítica del primer capítulo de Marco en Antena 3





Primera señal de alerta. Una amiga amante de la televisión casposa española, de las que se apuntan frases románticas del barco, se divierten con "Los misterios de Laura" y llora con "Tierra de Lobos" me dice que está emocionada por el estreno de "Marco" en Antena 3.

Eso lo tengo que ver yo.

Así que yo, twitter en iPad encima me pongo con mi sarcasmo y buena fe a ver ese experimento que prometía ser todo un acontecimiento navideño de guilty pleasure combinado con arte trash. Ahora que ha terminado, lo puedo decir: Marco ha sido lo suficientemente cutre, ñoña y divertida de manera no intencionada que ha llenado el huequecito que me quedó en mi corazón amante de soplapolleces cuando tuve que dejar de ver el barco por su traslado a la noche de los jueves. Y es que los lunes en Antena 3 son un festival del humor.

Pero, ¿es tan malo Marco?
No, seguramente no sea su público objetivo. Es más bien una mini tele movie para niños bien intencionados, amantes del ñoñismo repipi y señoras mayores de seis años cuyas madres las visten con vestidos de fresas y tirabuzones.
En serio, Marco no ha sido tan mala, no es un desastre, es solo que es… cutre.

El caso es que se supone que este Marco se basa en el libro original y no en la serie de dibujos que todos hemos estado viendo de pequeños. Y claro Marco ha cambiado tanto que ha sido un choteo completo, porque Marco sin mono, sin vivir en un puerto italiano y  sin estar al pie de la montaña… ¿Qué clase de Marco es ése Marco? Eso no es Marco ni es nada.

¡Qué nos devuelvan el dinero!

Para empezar la madre les cuenta un cuento a sus hijos (porque Marco tiene un hermano llamado Lucas) y en un alarde de querer mostrar que la compañía se ha hecho con los cromas deRinger nos muestran el cuento con Marco, hermano y madre pululando por el castillo imaginado. Ver para creer.

Entonces la madre se tiene que ir a buscarse la vida y ganar dinero para sus hijos y les abandona dejándoselos al cuidado de “sus abuelos” (estaba despistado y es posible que aquellos señores mayores no fuesen sus abuelos, sino simplemente señores mayores que vivían en la misma casa).

Entonces Marco y su hermano se levantan, y se ponen a desayunar y la señora mayor cuenta los vasos y dice: “Oye Marco, has puesto uno de más porque tu madre no viene a desayunar porque os ha abandonado”

Entonces claro, con tanta delicadeza el niño se coge un mosqueo de tres pares de narices, pero empieza a recibir cartas de su madre que se ha ido a trabajar a…
¿Argentina?

¡No! ¡A Benidorm!
Que los billetes a la Pampa son muy caros y aprovechando el descuento del Imserso de la señora mayor, pues le sale bien barato.

De repente un día la madre deja de escribir y claro, todos se asustan. ¿Qué haría una persona normal? Llamar al hotel en el que trabaja la madre a ver si ha pasado algo.

Pero claro, esto es una serie de Antena 3 y aquí no hay cabida para comportamientos normales, así que al llegar los servicios sociales (en forma de Policía Nacional) los niños se escapan por miedo a que los separen y los señores mayores ocultan que se han marchado porque de todos es sabido que es mejor que dos niños indefensos vagabundeen por la calle que estén bajo custodia de la Policía nacional. ¡No hay más que ver lo bien que les fue a los niños de Slumdog Millionaire! ¡Si hasta ganaron un porrón de Oscars!

Entonces Marco se va a la estación de buses y compra un billete para él y a su hermano le dice que se haga pasar por menor de 5 años para viajar gratis. Los niños se suben pero ven a tiempo el horrible bigote de Ernesto Alterio (para lo que has quedado) y se esconden en la bodega de equipajes del autocar. Como el busero está todo liado con pensar la película en VHS que les va a poner a los veraneantes que se van a Benidorm, no les ve y se marchan camino de ese mundo tan cosmopolita y moderno que es Benidorm.

Al llegar allí los niños descubren algo insólito: la playa de Benidorm está limpia, libre de guiris y no hay nadie en la arena. Quiero decir nadie. Ni inglesas borrachas cuales cangrejos a la marinera, ni alemanes sonrientes cargados de cervezas, ni familias con sombrillas acaparando media playa.

Nadie.

Entonces los niños se acercan a una feria donde Marco descubre una pista sobre el hotel en el que puede estar su madre trabajando y Lucas se mete en un circo cutre con capacidad para 7 espectadores de pie donde le lanzan unos cuchillos. Este arco de argumento es muy importante porque todos pensábamos que aquí conocerían al mono Amedio, pero no. Nuestro gozo en un pozo.

Los niños se cuelan por el hotel como Pedro por su casa y descubren que su madre trabaja en otro turno (mecachis) así que se meten en el carrito de las camareras (bendito carrito, ¿qué sería de los tópicos del cine sin él?) y se cuelan en una habitación donde, en un delirio de avanzar la trama, piden al servicio de habitaciones poniendo voz rara y se ponen a saltar en la cama.

A la mañana siguiente una camarera de hotel les pilla, aunque no entiendo para qué vuelve a la habitación si ya la había dejado limpia y arreglada la noche anterior, y tras contarle el caso (somos unos pobres niños abandonados) les dice que su madre ya se había marchado y donde vivía antes. Este personaje merece una mención aparte por su gran instinto maternal de echar a los niños cuales ratas en lugar de acompañarles o llamar a la policía.

Entonces los niños van allí, la madre ya no vive, el bigote de Ernesto Alterio ya ha llegado y no me preguntéis cómo pero se cuelan en el almacén de la madre donde una señora mayor que fuma mucho, pero mucho como si no tragase el humo y solo lo soplase encierra al más pequeño para vendérselo a la Iglesia como moneda de cambio. No, en serio, llama a Ernesto Alterio para que lo coja. Pero, ¿cuáles eran las intenciones verdaderas de la señora que fuma? ¿por qué no les ayuda a nuestros pequeños aventureros? Este personaje es tan confuso que exijo un spin off.

El caso es que se escapan y con las pistas que obtienen descubren que la madre ya no está en Benidorm sino trabajando en la huerta. Así que se ponen a hacer autostop y les para… ¡el hombre del circo! Que al parecer se dedica a recoger niños perdidos en la carretera y ofrecerles explotación laboral. ¡Un lujazo vamos! Aquí pensé que les regalaría al mono, pero no. No había ni rastro del mono.

Nuestro Marco es más listo que él y le dice que no y al final llegan a la huerta, donde parece que van a ver a la madre, pero no. También se ha ido. Entonces dos jornaleras discuten sobre qué hacer y una en pleno ataque de sensatez decide llamar a la policía, pero la otra que es una mala pécora les da dinero para ir en tren a Madrid y que se reencuentren con su madre. Marco antes le dice que no acepta el dinero, porque es pobre pero tiene orgullo, pero la mujer insiste.

Así que Marco, su hermano y un jersey de cuello de vuelto de lana gorda que me daba calor de solo verlo con toda la solana que estaba cayendo se montan en el tren con destino a Madrid.

Pero al pasar el interventor les descubre y avisa a ¡el bigote de Ernesto Alterio! Que ya estaba también en el tren. Entonces les persigue por el tren en un clímax que casi me tritura los nervios y la paciencia, porque claro el bigote de Ernesto Alterio les acorrala y ellos hacen lo que cualquier español haría al ver al cómico español: Huir.

El caso es que pilla a Lucas y Marco abre el tren y salta en mitad de las vías y llegando ya al túnel de Atocha.

Para que nadie se quedara sin dormir de tremento cliffchanger en el avance de la semana que viene nos dicen que Marco ha sobrevivido a la persecución en el tren estilo Mision Imposible (menos mal) y que en el próximo capítulo se nos termina el invento (todos juntos: oooooooohhhhhhhh).

Y es que, en resumen, Marco ha sido cutre, mala y cursi y ñoña a más no poder (esa música es de vergüenza ajena) pero ha sido tan tonta y ridícula en su guión, y tan cutre en los cambios introducidos que ha sido todo un deleite humorístico de primer nivel. La semana que viene yo no lo pierdo.



Si os ha gustado no os olvidéis de votarme como el rincón más completo en los premios farito en Trapseia

Y por supuesto leer mis desventuras en formato novela online en ¿Con quién se acuestan las manzanas?

lunes 26 de diciembre de 2011

CRIADAS Y SEÑORAS (The Help) - ****1/2

Tú eres buena, tú eres lista, tú eres importante



Ver una película de manera absolutamente inmediata a terminar la novela (menos de 24 horas) hace que irremediablemente estés comparando todos y cada uno de los momentos, cada uno de los personajes y situaciones y que no todo encaje en cómo te lo imaginabas, lo cual es un importante hándicap.

Ha habido muchas diatribas acerca de aquello de que el libro siempre es mejor que la película, o de que de un libro bueno solo puede salir una película mala lo cual me parece ridículo porque tengo ejemplos de todo tipo. De libro malo a película excelente (Mystic River), de libro bueno a película mala (Una navidad diferente) y de libros buenos a películas buenas (la joven de la perla y en este caso “Criadas y señoras)

Mientras terminaba las hojas de la novela de Kathryn Stockett, sobre todo el último tramo porque yo que soy de leer lento me fundí la mitad final en tres días, pensaba que aquello en pantalla bien hecho iba a quedar de lujo. Y es que tanto la novela como la película tienen un grandísimo acierto y es la capacidad de emocionar sin sensiblerías y de conseguir atraparte por la emoción y el carisma de los personajes. Y todo eso está plasmado a la perfección en la pantalla (incluso los cambios como la historia de Constantine funcionan), porque Criadas y Señoras es una película que narra una época histórica concreta pero sin histrionismos, ni mentiras, ni manipulaciones baratas sino con honestidad y sinceridad a través de la boca de unos personajes perfectamente definidos. Y todo eso está en una envolvente película que es una dulce pasta de té y que te sabe transportar a lo largo de su viaje y atraparte sin complejos en sus historias hasta lograr emocionarte.


En este caso Criadas y Señoras trata sobre la vida en la ciudad de Jackson, Missisipi a principios de los años 60 cuando Estados Unidos empezaba a convulsionar por el movimiento de igualdad entre los habitantes de color y los blancos. En este caso concreto la ciudad permanece aislada en el limbo entre la ignorancia y sobre todo el miedo a revelarse o decir nada.

Entre todo esto una joven blanca, Skeeter, llega tras terminar la universidad y se encuentra lo atrasadas y acomodadas que están sus amigas, especialmente el bicho de Mrs. Hilly que quiere hacer más severas las medidas separatistas entre las dos razas.
Entonces tiene la idea de escribir un libro  en secreto con el punto de vista de las criadas, tanto para lo bueno como para lo malo, de lo que sucede allí. En su devenir le ayudarán dos: Aibeleen, una gran mujer que se considera más Nanny que criada y que cuida a una pequeña que es prácticamente repudiada por su madre por no ser una perfección de belleza, y Minnie que tras ser despedida por Mrs. Hilly acaba cuidando a una recién llegada Mrs. Celia que está loca perdida y que se encuentra el rechazo de todo el condado por más que intenta caer bien.

Lo mejor de toda la película (y del libro en extensión) es la complicidad de ambas criadas, su amistad y su manera de reírse de todo lo que les sucede y de ver optimismo, en ambos casos Minnie es una robaescenas con su habladuría y manera de ser siempre se lleva la función.

Pero más allá de la historia está el cómo está narrada, sin ahondar en el drama (hay malos tratos, hechos vejatorios, injusticias, enfermedades serias) y dando gran rienda al corazón y a la comedia. Es de esas películas que se ve con una sonrisa mientras se te escapan un par de lágrimas. Porque aunque hay gente mala, no todos los blancos son malos y de hecho, con la llegada del libro muchos cambian de opinión y se redimen de sus acciones pasados.

Gran parte de este peso, como imaginaréis corresponde a las actrices que montan toda esa complicidad. Pese a que la gran protagonista es Emma Stone (adorada por todos desde Rumores y Mentiras), poco a poco va perdiendo peso frente a las portentosas interpretaciones de Viola Davis y Octavia Spencer.

Y es que Viola Davis conserva toda la ternura, dignidad y grandeza del personaje y le da una humanidad y un alma realmente conmovedora. Es capaz de transmitir cada sentimiento con solo un gesto en un personaje que pasa por muchos estados a lo largo de la película.

En otro registro está la capacidad cómica de Octavia Spencer con esos ojos enormes y su manera de gesticular y su gran expresividad que arranca carcajadas con su gran interpretación.

Ambas están soberbias, pero también lo está la gran Jessica Chanstain y Bryce Dallas Howard que saben definir el papel de su personaje con pocas escenas y otorgan un grandísimo conjunto de personajes femeninos. También los hay masculinos pero son meras comparsas de una película protagonizada por mujeres.

Respecto a la maravillosa banda sonora acompaña en todo momento con dulzura y ternura cada imagen y la acaricia provocando muchas sensaciones en una película que pese a su larga duración (unas dos horas y media) en ningún momento pierde el sentido del ritmo y la capacidad de entretenimiento.

En resumen, Criadas y señoras es una película muy completa realizada con vocación de entretenimiento y para un público mainstream, pero también es una película de portentosas interpretaciones y un drama en el fondo pero que consigue enmascararlo en comedia y en un resultado bonachón fabricado para emocionar y que consigue hacerlo. Una gran adaptación, con gran ambientación, y una maravillosa ejecución de una gran novela de la que muy pocos saldrán defraudados.  

Lo mejor: El tramo final es realmente conmovedor

Lo peor: Falta esa cara amable de las señoras que el libro sí sabe dar

Valoración: 8,5/10

Momentos favoritos:

5- La escena final
4- El arco de la madre: He decidido no morirme
3- Minnie y la tarta
2- La escena de la Iglesia
1- Aibeleen cuenta cómo murió su hijo

lunes 19 de diciembre de 2011

MISIÓN IMPOSIBLE: PROTOCOLO FANTASMA - **** 1/2

Por algo lo llaman imposible



Tras los “decepcionantes” resultados económicos de Misión Imposible 3 muchos pensamos que la franquicia podría haber sido enterrada. Pero no nos engañemos, una cosa es que la gente pensara que aquello iba a ser una película que se recordaría en los anales de la historia económica y otra cosa es llamar fracaso a una cinta que recaudó 134 millones de dólares en territorio americano y casi 400 millones a nivel global.

Y es que aunque las cifras se quedaron por debajo de las anteriores, aquella cinta tenía un grandísimo hándicap y es el mal sabor de boca que dejó la segunda entrega dirigida por John Woo. Sí aquella en la que las fallas y la semana Santa se mezclaban por las calles de Sevilla.

Pero Abrams rehízo la franquicia, se olvidó del concepto de la anterior de la segunda entrega (acción por acción) y puso su sello y su estampa propia haciendo de aquella entrega una versión del capítulo piloto de Alias pero corregido y aumentado con escenas que tengo en la retina por quedarme con la boca abierta como la entrada al Vaticano y sobre todo “el péndulo”.

Y es que Misión Imposible no es una franquicia corriente al uso en el sentido en que tenga unos elementos clave que se repiten continuamente hasta la saciedad o unos personajes que evolucionen a lo largo de la cinta. En esta franquicia tres directores diferentes han creado su particular visión de las entregas de un agente secreto y la han llevado a su terreno: Palma al de la acción e intriga con clase y juegos de espías, Woo al de la acción desenfrenada cargada de tomas circulares y ralentizaciones y Abrams al del entretenimiento absoluto de gran factura.

Y aquí es donde llegamos al día de hoy, 5 años después de la última entrega y último verdadero taquillazo de la mayor superestrella del Hollywood actual a punto de entrar en la cincuentena. Y es que se puede decir muchas cosas de Tom Cruise, pero hay una que resulta evidente: Tom Cruise es un tipo extremadamente inteligente.

Desde Mision Imposible sus películas no han sobrepasado esa barrera psicológica de los 100 millones de euros y ni Leones por Corderos ni Valkyria lograron embrujar a la crítica y atraer la atención de los premios como se esperaba dado el renombre de sus directores (siendo ambas muy buenas películas especialmente la primera). Su resurgimiento en un vehículo de lucimiento propio de comedia de acción “Noche y Día” no terminó de funcionar.

Así que Cruise que aparte de inteligencia tiene dinero se puso manos a la obra para volver a levantar el templo que siempre le ha funcionado y con una mano de Abrams en la producción ideó la vuelta de Misión Imposible. Hasta que nos ha llegado la cinta hubo un nido de rumores bestial, que si las productoras querían sustituir a Cruise por Pitt, que si querían un ayudante más joven para hacerse cargo de la saga… Nada de eso es lo que ha terminado y al final Cruise ha llevado a buen puerto su idea de lo que esta cinta debe ser sin plegarse a los objetivos marketinianos de preproducción que suelen dar al traste varias sagas cinematográficas.

Dicen que él fue el que quiso que Brad Bird se hiciese cargo de la cinta y que le dio plena libertad a la hora de crear su impronta. Nunca sabremos si eso es cierto o no, pero lo que sí tenemos es que el director de animación ha dado el salto a la acción real por la puerta grande: con uno de los blockbusters más esperados del año.

Y bien sea el mérito de Tom Cruise, de JJ Abrams, de Brad Bird o de los guionistas André Nemec y Josh Appelbaum curtidos en televisión (Alias) el resultado es que Misión Imposible: Protocolo Fantasma es ya no solo la mejor cinta de la saga sino una de las mejores películas de acción y entretenimiento de las últimas dos décadas, un auténtico festín de sensaciones y situaciones con escasos momentos de respiro en el que toda la trama avanza sin parar entre ideas llevadas al último extremo de la creatividad y capturadas con una perfección creando ambientes y momentos que se atrapan en la retina por mucho tiempo.

El argumento arranca con el agente Hanaway (interpretado por Josh Holloway conocido por ser el Sawyer de Lost) demisión en Praga. Algo sucede allí y nos vamos a Rusia a una prisión donde el agente Hunt está retenido y un equipo se acercan a rescatarle. Por supuesto tendremos un poco de acción en el rescate en este prólogo que nos dará el tono general de la película (peleas muy físicas, golpes fuertes y dosis de humor muy apurado por el gran Simon Pegg).

Tras las debidas presentaciones y ver cómo se prende la mecha de la cabecera de la saga (un resumen compacto de todo lo que vamos a ver en la cinta a través del túnel del rescate) les encomiendan una misión que les lleva al mismísimo Kremlin y en la que nada es lo que parece y deriva en la activación del protocolo fantasma en el que el agente Hunt se tiene que hacer cargo de un equipo al que no conoce, formado por cuatro personas. Sin jefes. Sin misiones y con un plan bastante suicida que les llevará a Dubai.

No voy a contar nada más del argumento porque no son ganas de estropeárselo a nadie desde aquí. No es que el argumento tenga unos giros inhumanos o una originalidad desbordante. Esto es Misión Imposible y se trata de una cinta en la que hay un por qué, un asunto al que tratar y sobre todo y es el gran acierto de la película unos personajes con una razón para operar así.

Por un lado está el protagonista, el agente Ethan Hunt interpretado por un Tom Cruise curtido por la edad y que encaja perfectamente con las nuevas aptitudes y actitudes del personaje. Como he dicho toca tomar decisiones, toca liderar y dirigir y tomar el mando y la edad de Cruise encaja con ello, ya no es el crío de hace 15 años y su personaje tampoco. Tiene que tomar parte en ello porque en realidad no tiene otra opción para demostrar su inocencia sobre ciertos aspectos. Todo en Cruise en este papel es carisma y sabe llevar el 90% de la cinta a sus espaldas con perfección milimétrica.

Simon Pegg retoma su personaje de la anterior película (era el cerebrito de los computadores) y lo eleva a agente de campo en su primera misión. En esta cinta el actor cobra mucho más protagonismo y a pesar de haber clavado siempre ese tipo de humor más paródico en otras películas, aquí sigue teniendo mucho humor pero de manera mucho más comedia y seria. Es otra vertiente del actor menos histriónica pero igual de fascinante y maravillosa. Se convierte en todo un roba escenas con derecho propio y una de las principales razones de todo el ritmo funcione y no decaiga en sus dos horas y cuarto.

La parte femenina la pone Paula Patton vista en Precious y Reflejos, chica mona sin ser despampanantemente guapa pero creíble por completo en su papel. Lo bueno de cómo está diseñado el personaje es que tiene un motivo claro y palpable y que no es una comparsa femenina obligatoria al estilo “El Origen del planeta de los simios”, ella tiene algo que decir y que actuar en todo lo que sucede, es creíble en cada cariz del personaje (guerrera, dolida, seductora) y convence absolutamente.

El cuarto integrante es Jeremy Renner que se une a la saga. Él cae de chiripa en el  grupo y es el personaje más inquietante de todos porque nadie sabe nada de él… les dejare que lo descubran…

Con este equipo nos adentraremos en una escena de acción tras otra, pero nos involucraremos en ellas, son escenas largas, cuidadas, en las que siempre pasa algo y siempre vamos hacia delante en el argumento, nos perderán con los consabidos trucos pero no tendremos esa sensación de pesadez que pudo dar la segunda parte de parecer una escena tras otra sin sentido. Aquí todo está muy cuidado, pero especialmente el suspense y la emoción antes de la ejecución, que es lo que te hace enganchar. Por ejemplo, en la cacareada escena en el edificio de Abu Dabi, no es que lleguen y se pongan a hacer el Spiderman, aquí Hunt no quiere y busca otra alternativa, todos están cagados y cuando se lanzan a ello hay segundos de pensarlo, de que la cámara se asoma como si fuesen nuestros ojos y de dejarnos sentir esa sensación de vértigo en el estómago. Por eso funciona como lo hace y se convierte en una de las mejores escenas de la historia de la acción.

Aparte de un reparto compacto, unos personajes muy bien diseñados, un guión potente con una historia que no molesta y unos diálogos claros, concisos y que suenan reales, unas dosis de humor muy bien sembrada y con mucha inteligencia (nada de chistes idiotas metidos con calzador al estilo película de Roland Emmerich aquí son patosidadas o sonrisas de nervios) y un ritmo apabullante tenemos más: y es el concepto de cine que tiene, el saber cómo retratar cada escena y concebirla con el sentido de hacernos disfrutar.
La tormenta de arena es espectacular y de no ser de una cinta de entretenimiento, tal cual está planteada podría estar en un drama bélico y se hablaría de Oscar.    

Además la cinta es la más física de la saga, cargada de golpes, de realidad. Nada de saltar y caer limpio y de pie, si te das un golpe duele y gritas, si saltas llevas inercia y te haces daño. Esto hace que sientas mucho más todo lo que sucede en pantalla.

Por último reseñar que la película se llama Mision Imposible: Protocolo Fantasma y no Mision Imposible 4. Y por algo no es casualidad y es que puedes ver esta entrega sin haber visto las anteriores, no es un reboot, es una nueva misión. Todo sigue desde lo dejamos, pero son detalles que se pueden seguir en el argumento y da igual que supiesen que Ethan Hunt se casó y se fue de luna miel o no, porque te lo van a decir y esos detalles son casi más un guiño a los fans de la saga que verdadero argumento de fondo.

En resumen, habrá mejores cintas que Misión Imposible: Protocolo Fantasma, con más argumento y con más sentimiento, pero muy pocas pueden mirar esta cuarta entrega de la saga a la altura a nivel de emoción, acción, intensidad, entretenimiento y disfrute. Y para los que nos gusta el cine, ésta película es un goce y disfrute con todos los sentidos.

Valoración: 9/10

Lo mejor: El apabullante sentido de ritmo

Lo peor: La sobredosis de publicidad de Apple. Al principio mola pero llega un momento que parece un anuncio de Macs, iPhones y iPads.

MOMENTAZOS

5- El uso narrativo de la historia de Josh Holloway

4- El ingreso en el Kremlin con su salida.

3- La tormenta de arena. Verdaderamente espectacular

2- Ethan Hunt, en una fiesta, de esmoquin, y cada uno del equipo con algo que hacer en cada sitio. Misión Imposible en estado puro

1-    1- La escena de Abu Dabi entera. Goce y disfrute para todos los sentidos