martes, 25 de diciembre de 2012

Los Miserables [Les Miserables, 2012] - ****

We dreamed this dream






Se ha hablado mucho de esta película mucho antes de su estreno, se ha bautizado su proyección como “el acontecimiento del año”, ese algo que debes ver. He leído que iba a ser (una vez más y van 10 años leyendo lo mismo) el resurgimiento del musical. Todo esto se le llama el “hype”, esas ganas, esos reportajes continuos, esa presencia por todos lados y esa campaña de marketing que ha provocado que la gente acuda a las salas esperando algo más que una película.
Y eso nunca funciona.

A los 15 minutos de proyección me he tenido que cambiar de asiento porque el señor de detrás no paraba de decir una y otra vez “que pesadez, otra vez a cantar”.

Antes de todo engaño: sí, cantan. Pero es que ¡es un musical! La gente se deja arrastra a las salas para ver la película de la que todos hablan sin saber lo que van a ver (¿os acordáis de las deserciones en manada de El árbol de la vida?). Pues algo así va a suceder con Los Miserables (Les Miserables, 2012) un film con una gran propuesta narrativa, unas interpretaciones desgarradoras y una cuidadísima puesta en escena pero que por su género y por su riesgo en la dirección va a crear grandísimas controversias, sobre todo para los no duchos en paciencia.

Y es que en la última época del musical, todo lo que nos ha llegado han sido cintas con episodios musicales, no me lapidéis, amo el musical pero la gente se ha hecho a ver Chicago, Mamma Mia, Hairspray o Nine, cintas más o menos discutibles pero que tienen un argumento y dentro de ellas escenas musicales, como si den un videoclip o una actuación se tratara.

Los Miserables es diferente, es una película con escasísimo diálogo, frases sueltas que unen canción con canción, los personajes no hablan, cantan continuamente y muchas veces a duras penas se aprecia el paso de una canción a otra puesto que toda la cinta es como una partitura constante. No quiero decantarme a favor de una u otra propuesta de cine musical, creo que cada manera funciona mejor en una u otra, pero sí que es digno de advertir a espectadores perezosos y para aquellos que odien leer subtítulos. La cinta es prácticamente en un 90% en versión original (¡a Dios gracias!) y han doblado frases sueltas (que dan un contraste brutal con las voces originales, es un desastre ese aspecto, pero esto es España…).

Con esto sabido os invito a ver Los Miserables y hacer una valoración crítica, porque criticar que cantan todo el rato o que hay que leer (que muchos lo dirán) no es una valoración crítica, es una observación. Y si mucha gente supiera eso se alejaría de la sala y dejaría al resto disfrutar de las virtudes (que las hay) o tirarse de los pelos con los defectos (que también hay alguno) de la película.

El argumento gira en torno a un preso que se gana su libertad pero decide saltarse la libertad condicional para reinventarse y empezar desde cero evitando llevar la letra escarlata de haber sido un preso. Por el camino ayudará a una mujer obligada a la prostitución para ayudar a su hija que él decidirá adoptar como suya para expiarse de sus culpas. Siempre acosado por un policía que quiere devolverle a la justicia y con una revolución en las calles por parte de los más necesitados como telón de fondo su hija se enamorará y tendremos un poco de todo: amor, traición, honor, religión, fé, batallas…
Una de esas grandes historias con mayúsculas.

Back to Work


Si Mariano no levanta el país... pues le criticamos :)

"Por fin se puede dedicar a su verdadera vocación"

Decir otra razón por la que he abandonado el blog que no sea que por pereza y dejarlo para otro día sería mentir, incluso aunque pusiera un millón de excusas como que no he tenido internet o no he encontrado tiempo. Recuerdo que una vez una mentora en este noble arte de la escritura me dijo:

“No busques excusas, la gente ha encontrado tiempo para escribir y hacerlo desde la misma cárcel. Ahórrame tiempo si no eres uno de ellos”

Así que mi tiempo de reflexión, de pararme a mirar las estrellas y saber qué hacer con mi vida ha llegado a ese momento de volver a lanzarme a las teclas del ordenador y ponerme a hacer lo que más disfruto: escribir y criticar.

Y no se me ocurre una mejor manera que contaros dónde estoy:

Harto de contratos basura (ahora lo llaman por obra y servicio), explotaciones varias en el mundo periodístico (medias jornadas de 10 horas diarias), de ineptos con poder, de llegar casi al punto de tener que dar las gracias por ir a trabajar o jefes que te dicen que no te pueden pagar determinados trabajos por la crisis mientras sus yates siguen atracados en el puerto decidí tomar el rumbo de mi vida y salir de una espiral que me estaba consumiendo lo más importante que tengo: la sonrisa.

Con una maleta (de ryanair ¡ojo!) me largué a Manchester, le dije a mi amado país ¡qué te den! y en ello ando. Trabajando de lo que puedo pero con una estabilidad que encuentro tan gratificante como inspiradora. Ha sido un año duro en lo personal con momentos tan altos (¡fin de máster!) como bajos (¡cáncer!) pero no hay ningún viaje (y la vida es únicamente eso) en el que no mires el reloj y te pares a pensar por dónde te llegas.

Por eso, ahora regreso, desde aquí o desde allí, desde donde pueda. Aunque nunca me he ido, solo estaba escondido viendo basuras del calibre de “Total Recall” o maravillas como “Silver Lining Playbook”. Emocionándome viendo la tercera temporada de Dowton Abbey o tirando cacahuetes a la tele en el especial de TVE de nochebuena.

Si antes no me callaba nadie, ahora que he salido del corrillo de caciques y que he recuperado fuerza toca volver. Y tengo que dar las gracias a tanta gente por e-mails, tweets y mensajes en facebook. Os adoro mis pequeños críticos y mis manzanas.

Hay Ivo para rato.

Tiembla Pilar Rubio.

viernes, 6 de julio de 2012

EL DIARIO DE NOA (2004) - ****1/2

A la espera de la lucidez



Los lectores de este blog ya sabrán que uno de mis géneros favoritos en el cine son las películas románticas. Y uno de los más odiados porque la falta de ingenio o el sistema actual de producción de películas propicia que tengamos prácticamente fotocopias de argumentos con un mero intercambio de actores, y muchas veces ni eso.

Me gusta el género pero estoy muy cansado de ver como una pareja primero se odia, luego se dan cuentan que puede funcionar, después piensan que ya no pueden vivir el uno sin el otro pero es tarde porque tiene que coger un vuelo y en el último momento se besan y se quieren. Estoy harto de la música manipuladora en estas cintas que te dice qué sentir en cada momento y las caras de los actores que están para llevarse un cheque suculento. Nada más.

De vez en cuando surgen títulos entretenidos y otras verdaderas joyas. De la película que les quiero hablar hoy (a petición de @mdehesa) es una de esas películas que se instalan en el recuerdo y se recomiendan sin parar, una de esas cintas que más ha influido la forma de hacer género en estos últimos años aunque ninguna de las salidas a su encuentro (Dear John, The Vow, Cuando te encuentre…) ha sido capaz de igualar a El diario de Noa (The Notebook, 2004), una cinta tremendamente eficaz, bonita, entretenida y refrescante con grandes actores y capaz de emocionar a cualquier generación. Y eso no es nada sencillo.

El argumento es en parte sencillo y en otras hasta manido y repleto de tópicos. La historia trata de una pareja retratada en dos épocas de su vida diferentes: La actual con ellos ya mayores en una residencia de ancianos y con ella en un estado avanzado de Alzheimer que escucha con atención lo que él le lee en un diario: La historia de cuando ambos se conocieron y como lucharon contra cada adversidad (ella de buena familia y él obrero).

Seamos sinceros, el argumento podía ser el de un telefilme cualquiera y sin embargo nunca cae en eso porque en lugar de tratar de retratar la enfermedad u otros aspectos la cinta se deja llevar claramente por buscar el efecto en el espectador con una narración perfectamente pulida, sin escenas que sobren y con un amplio gusto por los detalles románticos que nunca terminan de caer en los tópicos y lugares comunes a los que de verdad pertenecen (la noria, el semáforo, el estanque, la lluvia…).

lunes, 2 de julio de 2012

Crítica TV - Retransmisiones Eurocopa 2012

No hay dos, sin tres...




Puede que esta crítica traiga cola, pero por delante voy a decir algo que espero que lo tengáis en cuenta: Soy prácticamente un ignorante en fútbol.
Entendedme, sé lo básico para ver un partido pero no soy ningún forofo, ni entiendo de estrategias, bandas y todo eso que convierte a muchos aficionados en expertos y a muchos expertos en verdaderos analíticos.

Por eso, ésta es quizás mi crítica menos “seria” porque no voy a entrar a analizar la seriedad y profesionalidad de los comentarios que se han realizado por el equipo de mediaset, entre otras cosas porque no tengo los conocimientos suficientes para hacerlo. Pero sí que voy a juzgar otra cosa: la espectacularidad y el entretenimiento de las narraciones y especiales. Y sí, nos podemos quejar de muchas cosas al respecto, pero sin lugar a dudas el equipo capitaneado por Manu Carreño y Paco González ha dado en el clave de convertir el mayor espectáculo deportivo de masas en un fascinante espectáculo televisivo.

Voy a tratar de explicarme, pero la principal razón que voy dar es que en la cadena y adyacentes han convertido la Eurocopa en un must, en algo que había que ver independientemente de que te gustara o no, de que quisieras que ganaran o no (hay gente para todo), de que vieses los 90 minutos o hicieses zapping mientras tanto o de que los partidos de España fuesen como una película de Angelopoulos o Terrence Malick, sabes que son muy buenos pero en el fondo te aburres como una ostra.

Y sí Sara Carbonero hace unas intervenciones que rozan el encefalograma plano, no aporta absolutamente nada a las retransmisiones y parece querer llevar la expresión mujer florero hasta su máxima expresión, pero su sola presencia ha provocado que muchos estemos pendientes de cada uno de sus movimientos, de su ojo distraído y, porque no, de reírnos abiertamente y con crueldad de sus comentarios y ladeos de cabeza. Los propios compañeros han incentivado el cachondeo y eso ha sido muy de agradecer.

Es cierto que los comentaristas nos han exasperado a todos, especialmente Juanma Castaño, pero incluso eso mantenía viva la emoción y le daba una intensidad y un nerviosismo que muchas veces no había en el terreno de juego. No os olvidéis del partido contra Croacia, uno de los más vistos y un auténtico sopor sin tiros a puerta.

Me repito, como no aficionado al fútbol recuerdo la dormidina que eran las retransmisiones de Televisión Española y Antena 3, puede que tuviesen mayor calidad pero para el espectador medio al que le importa poco eso le faltaba chispa, gracia y sobre todo la sensación de participación.

A mí el único que no me ha cuajado ha sido Fernando Morientes (por el que los años simplemente no han pasado y sigue exactamente igual) cuyos comentarios demostraban una y otra vez que a los futbolistas les cuesta unir las neuronas de forma productiva. Tampoco soy muy fan de Nico Abad, pero mejor ahí haciendo conexiones que retransmitiendo el tenis... que en Roland Garros era para matarle

Por eso, tras todo lo criticado y comentado que ha sido el equipo de mediaset yo les apruebo a nivel de espectáculo, de entretenimiento y de diversión que es de lo que se trata. Creo que en líneas generales ha sido muy profesionales, o al menos lo suficientemente profesionales del medio televisivo y han sabido no solo retransmitir una serie de partidos sino crear un show de forma completa. Y eso es verdaderamente complicado.

Así que, aunque me piten los oídos lanzó desde aquí una lanza a favor de todos ellos, los cabezas visibles y los invisibles porque me han enganchado a algo que no tenía demasiado interés en ver, han creado un gran envoltorio y no ha sido una chapuza de contenido.

Y si no ya veréis las retransmisiones serias y profesionales de los Juegos Olímpicos por parte de la cadena pública. 

miércoles, 20 de junio de 2012

CRÍTICA TV - THE GLASS HOUSE (1X01)

La casa de cristal



La historia de Gran Hermano en Estados Unidos tiene varios hechos curiosos. A diferencia del resto del mundo “Gran Hermano” llego a territorio yankee después de Survivor, con lo cual el efecto reallity padre-novedad que hemos vivido en casi todo el mundo allí se perdió.

Además, tras los juegos de estrategia y supervivencia con un montaje casi perfecto que rozaba la emoción continua y grandes personajes de aquel Survivor Borneo, se pasó a  un programa aburrido en el que en directo a duras penas pasaba nada. La conducción de Julie Chen tampoco ha ayudado nunca a quitar ese aire de programa de segunda que rodea todo el formato.

El caso es que la primera temporada aburría hasta las moscas, del nerviosismo y emoción de Survivor se pasaba a ver a un puñado de gente holgazanear y no hacer nada en una casa en la que solo se nominaban y el público expulsaba. Es decir, como conocemos a Gran Hermano de manera internacional. La primera temporada no resultó bien en audiencia y por eso de cara a la segunda se cambió completamente la mecánica con los HOH y los Veto que conocemos actualmente dando a un juego más estratégico, activo y editado.

Big Brother lleva 13 temporadas en antena y funciona bastante bien en verano. A vista de estos resultados la cadena ABC ha copiado descaradamente la mezcla de mecánicas para dar lugar a un reallity nuevo: “The Glass House”.

¿En qué consiste The Glass House?
Pues en que 14 extraños se encierran a vivir por unos meses en una casa de cristal rodeados de cámaras y micrófonos que seguirán sus movimientos ¿os suena?
Entonces harán una prueba por equipos y cada equipo tendrá un líder. En caso de perder el líder y otro elegido del equipo perdedor son nominados y el público expulsa. Es decir una mezcla del Gran Hermano internacional (el público decide) aderezado del Big Brother americano (una prueba marca el curso de los concursantes).

La novedad es que la audiencia marca el devenir de los concursantes continuamente con el tipo de fiesta que quieren, que accesorios van a llevar, qué van a comer en la fiesta… y así continuamente. Vamos un montón de tonterías que no sirven para nada y que nos hacen creer que todo es más interactivo.

De aquí necesitaríamos grandes personajes para hacer esto aceptable y en el primer programa todos han sido prácticamente grises excepto por uno: Alex, que ha entrado diciendo que va a ser el mayor personaje de entretenimiento de un reallity de la historia ¿en serio? 
Y digo que es el mejor porque el resto son chicas de agencia de modelos y chicos sin demasiadas neuronas vagabundeando sin más. También hay un gordo gay que se parece mucho a Rammil y un gilicolgado que votará al azar según sus cartas. Pero gente interesante o divertida no hay, ni siquiera gente auténtica, casi todos parecen ir ahí a fingir.

jueves, 14 de junio de 2012

BLANCANIEVES Y LA LEYENDA DEL CAZADOR (2012) - *

The Lord of the apples




Pensaba hacer una crítica estructurada y bien hecha de “Blancanieves y la leyenda del cazador” (Snowhite and the huntsman, 2012) pero, como la película se sustenta en hacer creer que Kristen Stewart es más guapa que Charlize Theron no me la puedo tomar en serio. Es imposible.

Para los que no habéis visto la cinta puedo decir que tiene un arranque muy prometedor con una cuidadísima puesta en escena y una Charlize Theron enamorada de su personaje. Por desgracia, tan pronto como ésta desaparece de la pantalla la película también y se convierte en un relleno interminable con épica de mercadillo destinado a adolescentes muy adolescentes con las neuronas medio fundidas dando como resultado una de las películas con menos ritmo que he visto en mi vida. De verdad, hacía años que no me aburría así en una sala de cine.

Así que, en lugar de una crítica seria, os voy a contar un cuento sobre la película… Con SPOILERS, es decir os destripo la peli.

Érase una vez una chica que ve una rosa y se pincha y sangra, y con ella se derrama toda la sangre de la película. Entonces Charlize Theron es salvada por un Rey que se enamora de ella (obvio) y ésta con artes oscuras le embruja y le mata para hacerse con el trono. Entonces encierra a la hija del Rey como venganza por la mierda de saga que realizó sobre vampiros vegetarianos que van al instituto y gobierna el reino comiéndose a chicas jóvenes que devora cual Diana a ratas en la serie Uve.
También tiene un espejo que se metamorfosea en terminator para hablar con ella.
Hasta ahí todo bien.

FOUR LOVERS (2010) - **

Menage-à-quatre 




Hay un momento en “Four Lovers” (Happy Few, four lovers – Francia, 2010) en el que las parejas se comunican por el móvil y se dedican a enseñar a la otra pareja lo que están escuchando para crear una especie de lirismo. Unos están viendo Fórmula Uno y salen al jardín para que escuchen un avión que pasa y otros sonidos. Los otros están asistiendo a entrenamientos de gimnasia y se dedican a seguir y pegar el móvil a los pies y las manos de los gimnastas. Todo te lo muestran como muy lírico y poético, como por encima de lo normal, delicado como un pájaro…
Les voy a traer a la memoria una frase de Días de Fútbol “mira a mi marido, haciendo fotos a los árboles como un subnormal”. Pues algo así sentí en ese momento.

La frontera entre el lirismo y el ridículo es muy fina y hay que saber jugar con tantos elementos tras la cámara para no acabar en el absurdo… y en Four Lovers se cae y termina pecando de lo que no quiere ser de ridícula, burda, grotesca, plana y donde nos quieren retratar a gente de especial delicadeza terminamos viendo a meras personas con algún verano mal cogido. O sino que alguien me explique ese momento de ir traduciendo los árboles al inglés... que encima tiene miga el doblaje porque la dobladora española pronuncia con un inglés de opening que provoca carcajadas.

En Four lovers un hombre casado arregla el ordenador a una mujer casada y saltan las chispas. Después ésta le habla a su marido de él para la página web del trabajo de éste y le invitan a cenar con su esposa. Sin saber muy bien de dónde viene, las parejas se besan y deciden hacer un intercambio de parejas pactado con una norma “todos lo tienen que hacer a la vez” aunque en casas diferentes, es decir no es una orgía sino que se cambian al mismo tiempo.

Me fascinan las nuevas formas de parejas, de romances, el ver cosas diferentes, miradas sobre el amor en el siglo XXI (ya me entendéis manzanas) y por ello me acerque a esta premisa interesante que ya explotaba la infravaloradísima “Vicky Cristina Barcelona”. Pero en Four Lovers no hay verdaderamente dónde rascar, las reflexiones son de revista Cosmopolitan y tan subrayadas por la voz en off que terminan crispándome los nervios.

miércoles, 6 de junio de 2012

Love In The Wild - Premiere Second season

Amor en la jungla, en versión jardín escolar





Como dijo Sofia Coppola (una de las grandes divas vivas) “se puede tener fondo y estar interesado por las cosas superficiales” así que con eso ya no me tengo que justificar por dedicar un post completo al arranque de la segunda temporada de un reallity trash, cutre como pocos llamado “Love in The Wild”.

Así que desenrollemos nuestra lengua más viperina, despleguemos la brillantina más glam y escarbemos en esta basura de reallity “aventurero” en el que los participantes buscan el amor en mitad de la jungla.

La mecánica consiste en siete solteros y siete solteras (todos ellos super estupendos y estupendas, de los que te crees que tienen problemas para ligar…) que se lanzan a la jungla de Costa Rica a encontrar el amor. Competirán por parejas y cada jornada tendrán una etapa en la que adentrarse por la jungla en una Gymkana en plena naturaleza. La verdad es que las gymkanas son un poco en plan campamento de verano ya no de boy scouts, sino de colegio católico. Vamos que son cutrecillas y pese a que lo montan como si The Amazing Race se tratara la mayoría de las veces nadie se despeina.

Esto determinará un orden de llegada y la primera pareja en llegar será inmune a la expulsión, entonces comenzarán a decidir si quieren seguir conociendo a su pareja o cambiar de compañero o compañera.
Todos tienen oportunidad de hacerlo y al pedir a un nuevo compañero éste puede aceptar o rechazar la invitación de formar pareja. Si aceptan ambos están salvados y serán equipo para la siguiente jornada, si les rechazan la persona rechazada será vulnerable y pasará a la zona de solteros donde alguien deberá escogerle. Los dos últimos desparejados serán eliminados.

Parece un lío así explicado pero la verdad es que es bastante simple y ridículo todo. Creo que hasta una Rachel Reilly cualquiera podría seguirlo sin problemas porque esto es un “The amazing race” meets “survivor” meets “the bachelor”. Pero todo ello de manera tan simple que es imposible no tomártelo a cachondeo de lo segunda división que es.

viernes, 1 de junio de 2012

Project X (2012) - **1/2

Ida de olla con dobles de trippis




Tengo un montón de pensamientos que contar sobre Project X (Project X, 2012) algunos son buenos y otros no tanto. Por un lado esta fiesta es bestial, divertida y entretenida y por otro lado no deja resaca, ni huella ni es tan escandalosa cómo de verdad cree ser porque termina fallando en uno de los pilares con los que pretendía jugar: la verosimilitud. Pero sobre todo, la sensación general viendo la cinta es que no llega a transmitir, no tiene un McLovin que nos arranque carcajadas y no creo que nadie se ría verdaderamente con ella, lo que termina dándote la impresión de ser el amigo sobrio en una fiesta en la que no conoces a nadie y únicamente ves gente pasándoselo bien. Y es que ese es el problema, por más que lo intenté no conseguí involucrarme y formar parte de la misma.

El argumento es muy sencillo, tres amigos que están en lo más bajo del escalafón social del instituto deciden aprovechar el cumpleaños de uno de ellos para celebrar un fiestón en su casa coincidiendo con que sus padres se van de vacaciones. La fiesta se termina descontrolando. Y ya está.

Es una de las ventajas de la cinta (y un gran hándicap), se sabe que la película trata de ima fiesta y van directamente a darnos bebida y alcohol, no se entretiene en hacer medias lunas de nocilla.
Hay un intento de argumento pero muy torpemente desarrollado en la historia de “amor” entre el cumpleañero y su mejor amiga, pero de eso no va la cinta. Aquí solo interesan tetas, gente salidorra y música muy alta. Sin moralina. Sin mañana. Sólo jóvenes disfrutando.

Y por un lado es una gran ventaja y por otro un inconveniente.

Está bien porque da lo que pides (aunque tarde 25 minutos en arrancar, 25 minutos de verdadero sopor) y está mal porque no tienes ni un ápice de empatía por ningún personaje. De hecho creo que el arranque me costó tanto porque los protagonistas, en especial Costa, me resultan muy cargantes, pesados, estúpidos, idiotas y más que inmaduros e inconscientes directamente con algún tipo de retraso mental.

Solo te explican tres pinceladas de cada uno, el protagonista está mal influenciado, Costa era alguien en Queens y ahora quiere recuperarse y el gordo… bueno simplemente ahí está.

sábado, 19 de mayo de 2012

INFILTRADOS EN CLASE (21 Jump street, 2012) - ***1/2

La extraña pareja de misión catastrófica





“Infiltrados en clase” no es lo que me esperaba encontrar con ese título y esa pinta. En otras palabras, este remake de la serie de los 80 antaño protagonizada por Johny Depp y ahora por el dúo Jonah Hill/Channing Tatum me ha sorprendido por inesperada porque aunque todo apuntaba a lo contrario, el resultado es que como comedia y entretenimiento es muy eficaz, y diría que bastante buena.

Y es que el gran acierto de la cinta ha sido desligarse por completo de todo lo anterior y construir una pareja extraña que funciona como un reloj en las situaciones rocambolescas de la cinta. Ellos son Schmidt y Jenko que eran los contrarios en el instituto y lo siguen siendo ocho años después (uno es el chico popular y el otro el torpe nerd gordo). Con el tiempo se ven obligados en la academia de policía a intercambiar sus habilidades para conseguir aprobar. Por fortuna esta película no se centra demasiado en estos aspectos sino que los pasa con un montaje rápido y entretenido, de otra manera habría sido un gran error.

Tras meter la pata en su primera detención son destinados a una misión encubierta en un instituto, donde por azares de su inutilidad tendrán que cambiar los roles para descubrir una red de narcotráfico estudiantil.

Ni que decir tiene que nos da igual quién o quienes llevan las drogas o las venden. Lo que importa no es solo lo que nos cuentan sino lo que hace el dúo protagonista para hacer la cinta entretenida y lo mucho que les acompaña la frescura del guión en ello.

Una de las cosas que normalmente me cabrea en las pelis de instituto es que los actores ya suelen tener todos pelos en los huevos cuando van con la carpeta y ellas en la realidad ya han tenido un par de abortos antes del baile de graduación. Suele ser bastante ridículo todo eso. Aquí lo saben y el guión no teme apuntar a ello “¿qué edad tienes tú? ¿cuarenta?” le dice un estudiante a Channing Tatum. El guión es ágil y sabe apuntar su flecha al centro de la diana para conseguir las situaciones más improbables y fascinantemente ridículas.

viernes, 18 de mayo de 2012

Ira de Titanes (Wrath of the titans, 2012) - ***

No sé cómo no se han vuelto ateos, la verdad



Sólo hay una forma humana de disfrutar de esta Ira de Titanes (Wrath of the titans, 2012): con cachondeo.
Porque la trama es un despropósito:
Los Dioses se mueren por la falta de fe y Hares se alía con otro Dios para secuestrar a Zeus y liberar a Kronos que viene a ser un monstruo super gigante y super malo que nos espera al final del videojuego, digo de la película.

Entonces Zeus se comunica con su hijo Perseo mediante telekinesis, o algo así y éste que andaba tan tranquilo con su hijo 10 años (padre soltero con un niño insoportable) después de haber pateado el culo de los dioses y el Kraquer (no sé cómo se escribe) decide ponerse manos a la obra. Por el camino se encuentra con una rubia cachonda (que se tira un aire a Malena Gracia) y se la lleva de excursión junto a otro semidios que parece un doble de Melendi para entrar en un laberinto que lleva al infierno (también conocido como un pedrusco con lava).
Mientras pasas pantallas, digo avanzas en la cinta, van saliendo malos que de vez en cuando matan a alguien.

Digo tanto lo del videojuego porque es tal cual, se junta una tropa por el camino para rescatar a alguien secuestrado y conseguir un arma para matar al malo final. Cambiad tropa por Luigi, Dios por princesa y arma por champiñones y tenéis super mario Bros.

Como véis la credibilidad griega es… nula. No hay ninguna aroma a Dioses ni mitología por ningún sitio y encima tampoco están los decorados excesivamente bien desarrollados, no hay una belleza que te haga adorar la película (ahora los canarios me matan). No digo que no sea bonito el paisaje, sino que no saben lucirlo, aquí hay mucha batalla bien coreografiada y poco más.

Lo mejor que puedo decir que ella es que es cortita, en esta vorágine de mareos de duraciones donde todo blockbuster debe durar al menos dos horas y media para parecer serio llega una película que pretende refrescarte con una hora y media justita de película que tampoco se toma demasiado en serio a sí misma.

Lo peor… es que es una tontería insípida que lo mismo da verla que no. Que sales de la sala hablando de otras cosas y que “solo” ofrece un entretenimiento liviano y muy justito.

Respecto a si es mejor que la primera, sí lo es (pero eso no significa gran cosa). Todos parecer estar de algo más que de figurantes y hay mayor sentido de entretenimiento y humor en lugar de épica barata, menos diálogos que pretenden ir de sentidos y emocionantes y más ligereza. Se sabe lo que quiere dar y a eso se dedica y no a vender la moto a nadie. Y el 3D funciona sin problemas esta vez.

miércoles, 16 de mayo de 2012

El pecado de llamarte Laia Vehí

O cómo pasar de favorita a próxima expulsada (aka hacerse un Janet Devlin)





Sucede siempre. Al menos en España.

Y es que cuando un cantante o artista tiene una magia especial se encargan de comercializarlo sin ton ni son y eliminar esos rasgos que hacen que de verdad te enganches a ellos. Y es ridículo, sobre todo ahora donde casi nadie vende discos y lo comercial ya no es una garantía de éxito sino que se exige una renovación casi constante.

“Hay que ser comercial y agradar al público, abrirte y cantar hacia afuera” dice el jurado de El número Uno (Programa de talentos de Antena 3) a una de las candidatas que más había venido destacando hasta… hasta que les hizo caso.

Hablo de Laia Vehi, una de las cantantes más particulares y peculiares que arrancó en un concurso de talentos en España (quizás junto a Beth, Mai Meneses y Virginia Labuat). Y es particular y peculiar por su forma de cantar, de interpretar, su voz dulce y su aire intimista. Pero todo eso se ha ido por el desagüe semana a semana.

Primero le dijeron que tenía que vestir más femenina, después que debía llevar tacones, marcar cintura, enseñar pierna, quitarse las gafas y cantar un repertorio más conocido...

Resultado: Una cantante de corte intimista que nos deleitó con Corinne Bailey y Antonio Vega haciendo una especie de flamenco cutre, con coreografía de fin de curso incluida, enseñando piernas y convirtiéndose en el opuesto de lo que amábamos de ella quedando última en la votación popular con solo un 6% y viéndose superada por gente muy inferior a ella.

Normal, Laia con esos cambios te has quedado completamente sin público. Los que amamos algo diferente ya no lo vemos en ti y a los que les gusta lo comercial no te compran por impostada.

Y es que Laia Vehí es una cantante intimista, de las de conciertos en salas y que te hace transportarte y revivir a través de su voz tus propias experiencias. Laia tiene un aire intelectual, un sabor a jazz y un aroma exclusivo y único. Y ya podía el jurado aprender que eso no tiene que estar reñido con llegar alto.

Pero parece que entre los mandamases de producciones (especialmente getmusic) molesta que un cantante se salga del canon establecido, cuando eso es lo que de verdad les hace abrirse camino. ¿Habría llegado Mai Meneses a arrasar como Nena Daconte de haber seguido en OT? Sinceramente creo que no, porque lo que hizo único el despegue de Nena Daconte es que los descubrías y tenían ese aura especial y delicado para el que el concurso de talentos no dejaba huecos.

lunes, 14 de mayo de 2012

SOMBRAS TENEBROSAS (Dark Shadows, 2012) - *1/2

Autodestrucción de carreras en 5, 4, 3....




Tenía miedo y casi hasta pánico de ir a ver la nueva película de Tim Burton, porque este hombre es de esos que sabes que es bueno y que tiene un estilo visual muy marcado pero que hace que te pases media película esperando a que muestre algo de su talento. En lo que a mí respecta debió retirarse con Big Fish, pero la pela es la pela.

Aunque tampoco hay que culparle demasiado porque lo que hace es un poco español, ha fichado por una multinacional que le da un pastón de aupa y que le permite meter a sus colegas y esposa en el reparto para que todo quede en casa. Así lleva unos cuantos años y vistos sus resultados en taquilla (aunque ésta ha pinchado en EEUU) se tiene que estar forrando (siempre se mete en algo de producción para rascar de más lados). Así que cada vez que alguien dice “¿qué le pasa a Tim Burton?” Pues que se está haciendo un Julia Roberts, esto es: películas mediocres o directamente malas en las que se pone en modo automático y cobra una pasta escandalosa mientras nosotros como idiotas seguimos pagando por ellas pensando que ésta es la buena… Pero no, sigue sin serlo.

La nueva incursión cinematográfica de Tim Burton llamada Sombras tenebrosas  (Dark Shadows, 2012) es un auténtico fracaso, carente de un estilo (¿es una comedia? ¿es un cuento gótico? ¿es una historia de amor? ¿es una producción de Disney Channel? ¿es una historia de terror?) y sobre todo sin una gota de de ritmo ni sentido de entretenimiento. En ningún momento sabes hacia dónde va el argumento, ni qué te pretenden contar ni con qué propósito y así se van languideciendo las escenas por la pantalla, escurriendo minutos de sopor y olvidándose de seguir ningún arco argumental.
Sombras Tenebrosas, repito, es un completo fracaso.

Arranca con un buen prólogo que te hace presagiar buenos augurios, tiene claras reminiscencias a Sleepy Hollow (para mí una de las mejores e infravaloradas cintas de Burton) y te crea unas expectativas que la película es incapaz de satisfacer: con un aire a dinastía familiar (la de los Collins) con castillo y todo.
Barnabas Collins es el protagonista que enamora inconscientemente a una sirviente entregada a la magia y la brujería. Ésta presa de los celos embruja al amor de Barnabas obligándola a suicidarse en el acantilado de las viudas y él incapaz de salvar a su amada se suicida con ella, descubriendo así que es un vampiro y siendo encerrado en un ataúd. Tras unas excavaciones, 200 años después, vuelve a la vida y se da cuenta que está fuera de lugar.

Es una gran introducción que va directa al contenido. Sé que es difícil mantener el pulso de un gran prólogo con el resto de la cinta porque hay que desarrollar todas las historias, mantener el ritmo, meter curvas de intensidad… pero es que este hallazgo no tiene nada que ver con lo que nos espera después.
Ojalá nos hubiésemos quedado todos en el siglo 18 porque aguanta mucho mejor ahí todo.

jueves, 10 de mayo de 2012

Crítica de TV - GIRLS - 10/10

Fenómeno de culto a la vista. Uno de los mejores shows en años




Que lo que llevamos de estrenos seriéfilos en 2012 es muy flojo es casi un hecho. De las comedias salvo “Don’t trust the b--- in apartment 23” y “House of lies” y todo pese a no ser excesivamente grandes, pero al menos consiguen distraerme y divertirme.
En el apartado drama la cosa se ha quedado en casi nada: "Touch" se ha desinflado, de Alcatraz es mejor no hablar, The River es realmente infumable, Terranova apestaba, Awake me da pereza, The Firm ni os cuento, GCB es lamentable y sigo Scandal y The Client List por mero cachondeo. La única verdaderamente destacable es Once Upon a Time.

Pero entre todas ellas y como esperanza casi exclusiva mía la HBO se ha lanzado a la piscina con una de las propuestas más arriesgadas, incómodas e inteligentes de la pequeña pantalla. Es más tras ver Girls pienso que lo de “Sexo en Nueva York” es una mera estupidez comparada con ésta (mucho tiene que decir la infumable segunda película).

Pero, ¿qué es Girls? Girls es un alegato generacional de los veinteañeros que nos enfrentamos al terminar la universidad a una sociedad incómoda en la que nos tratamos como basura en las relaciones, que somos incapaces de encontrar un trabajo estable y que cada vez tenemos menos en común con nuestros propios amigos.

La historia se centra en Hannah a la que sus padres le cortan el grifo de mantenerse y se ve en medio de Nueva York sin un céntimo. Lleva en prácticas de becaria media vida y su meta es escribir un libro de experiencias. Esto no es Sex and the city, no hay hueco para armarios fastuosos, ni para un amante espectacular cada semana. Girls está basada en la vida, las mujeres no son perfectas, los hombres tampoco, el trabajo casi ni da para llegar a final de mes y la amistad entre ellas no es super guay ni fastuosa, es más un medio de tolerarse entre la vida. De hecho las cosas importantes casi todas se las callan entre ellas. Creo que todos lo hacemos.

Hannah tuitea, escribe un diario y está medio enamorada de un tipo que la trata fatal. Además no hay escatología en mostrar situaciones incómodas en relación al sexo (Te voy a dibujar el mapa de África en el brazo), masturbación y en algunos aspectos es hasta humillante. Pero así es muchas veces la vida.

VIDEOBLOG 2 - CONSEJOS PARA UNA MANIFESTACIÓN

LOS VENGADORES (The Avengers, 2012) - ****1/2

Me dejaría salvar cada mañana por ellos




Si la agente Natasha Romanoff puede interrumpir su sesión de interrogatorio en una inmersión de espionaje…
Si Thor puede volver a la Tierra sin su puente arcoíris…
Si Tony Stark puede detener su oda fálica a sí mismo por un rato…
Si el Capitán América puede volver a ponerse en forma tras un periodo de descongelación…
Y si Bruce Banner puede interrumpir su exilio sudamericano para unirse a “Los Vengadores” (The Avengers, 2012)…

…pues entonces yo creo que debo sacar un rato para escribir una crítica de una de las mayores y mejores películas de entretenimiento que he visto. Todo un vehículo fascinante de diversión, cachondeo, acción y ritmo que es imposible no disfrutar como niños pequeños.

Tras casi cuatro años de anuncios tamaño largometraje de “los Vengadores” (muchos lo conocen como Iron Man 2, Thor y Capitán América) los héroes de la Marvel se han juntado. Para los fans de los cómics y del género de superhéroes es como un sueño hecho realidad. Para los no fans (como yo) este es el momento perfecto para una película cuyo clímax arranca en el minuto uno y termina tras los créditos (por supuesto hay sorpresa para los pacientes). Esta cinta está hecha ya no solo para los frikys y los seguidores sino para que los amantes del espectáculo se abracen entre sí, para que familias enteras acudan a la sala a disfrutar como enanos y para que mucha gente empiece a interesarse por el resto de películas de gente con superpoderes.

martes, 1 de mayo de 2012

NOVEDAD MAYO 2012 - VIDEOBLOG

Espero que os guste, es un videoblog donde seguir explorando el universo de las manzanas. Los comentarios siempre son bien apreciados y bienvenidos, pero ahora más que nunca!!

domingo, 29 de abril de 2012

LOS JUEGOS DEL HAMBRE (2012) - ****

Que la suerte esté siempre de tu lado



Esperar tanto a una película es un arma de doble filo: Por un lado hace que cuando te sientes en la sala tengas tal grado de excitación que disfrutes con cada acierto y por otro lado hace que las expectativas generadas en torno te hagan pensar que estas ante algo que luego en realidad no se corresponde.

Eso ha sucedido un poco con “Los Juegos del Hambre” la llamada a ser nueva saga-franquicia de la nueva década ante la muerte de Harry Potter y la cada vez más próxima de Crepúsculo. Además viene avalada por el éxito en Estados Unidos (tercera película en la historia en hacer mejor fin de semana de estreno, primera no secuela) y toda una horda de promoción verdaderamente interesante (recomiendo leer el artículo publicado en Fotogramas de Mayo 2012 al respecto).

A mayores yo he leído (más bien devorado) los libros en menos de 5 días y tenía tantas ganas de verla que me sentía hasta nervioso con cada anuncio en la tele. El viernes, día del estreno y a la primera sesión me senté en la sala de cine como un campeón cruzando la línea de meta y me dediqué a ver la adaptación cinematográfica de una película-acontecimiento.

El resultado tras 142 minutos de puro espectáculo y montaje electrizante puedo decir que  “Los juegos del hambre” ha cubierto mis (altas) expectativas y me ha hecho divertirme en una sala de cine. Me he reído, me he emocionado, y disfrutado de algunas auténticas genialidades por parte de su director ¡Ojala todos los grandes productos fuesen como éste!

En primer lugar la película se enmarca en un futuro en el que el mundo como lo conocemos ha terminado. Ahora se llama Panem y hay un capitolio que controla todo y el resto de la población está separada por distritos (13 en total). Una vez al año, como recuerdo a los distritos que el Cpaitolio es quién manda, cada distrito debe enviar a dos tributos (un hombre y una mujer) a los conocidos como “Juegos del Hambre” un espectáculo brutal donde lucharán a muerte siendo televisados para toda la nación.

Y hay aparece la protagonista Katniss, una joven cazadora que se salta las estrictas normas de su distrito para cazar en el bosque y evitar que su familia se muera de hambre en un entorno que recuerda mucho al de la gran depresión y la América más profunda.
Su único sentido es de protección hacia su hermana pequeña Prim tras la muerte de su padre y las pérdidas mentales constantes de su madre.

Pero, en contra de las probabilidades su hermana Prim es elegida como tributo y en un ataque de protección, Katniss decide presentarse voluntaria para ocupar su puesto. El otro tributo de su distrito es Peeta, un joven con el que tiene un acontecimiento en el pasado y un futuro más que abocado al desastre (antes o después se van a tener que matar).

Antes de ir a la sala tenía muchísimo miedo de cara a la película, porque el libro se puede (mal)interpretar por muchos sitios: elogio de la violencia, triángulo romántico, mero vehículo de acción, película simple adolescente…
Pero no, han sabido capturar la esencia del libro a la perfección, la crítica sigue estando ahí (quizás algo más escondida que en el libro) y sobre todo el contraste de ridiculez entre los dos mundos (privilegiados y resto de distritos) o la banalización absoluta del mal y la violencia en pro del espectáculo.
El que diga que la película no tiene dónde rascar para sacar conversaciones es porque no la ha terminado de entender o no quiere molestarse porque todo eso está ahí, solo hay que tener una perspectiva tridimensional y saber leer los bosquejos que se van trazando.

sábado, 28 de abril de 2012

Crítica de TV - Secretos y Mentiras - (0/10)


 Caspa, caspa por todos lados



Madre de Dios que cutrerío.

Antes de nada y de ponerme a decir lo que pienso sobre éste “Secretos y mentiros” ponernos un poco en situación. “Secretos y mentiras” es el último intento de Telecinco de reflotar sus tardes de los fines de semana, sobre todo en sobremesa. Las series americanas no terminan de despuntar (ni Revenge ni Ringer consiguen destacar) y el cementerio de elefantes de “¡Qué tiempo tan senil!” se hunde en la sobremesa.

Así que han mirado la audiencia y han visto que el público está muy hecho a los telefilmes de Antena 3, sí, esos que siempre llevan un mortal por algún lado de su título en castellano y que protagonizan actrices (fatal) operadas que sufren unos dramones de infarto. Y han dicho, oye si no podemos con el enemigo, hagámoslo nuestro.

Y ahí es donde aparece este Secretos y mentiras que viene a ser una revisión de esas historias melodramáticas pero en un formato que quieren llamar “novedoso” y es el Reallity ficcionado.

Sé que esos dos términos son una contradicción, pero yo no inventé los términos. Para entendernos esto son como las recreaciones que hacían aquellos programas de sucesos de los 90… pero peor interpretados.

Creo que el llamarlo “reallity” es una tapadera para enmascarar lo cutre y casposo que resulta todo y el escasísimo dinero que se han gastado en ello. De verdad, he hecho prácticas (horribles) en la universidad que tenían mejor aspecto técnico que esto. Ese toque de realidad lo hacen poniendo a los “actores” a cámara diciendo cómo se sienten a cada momento.

Lo peor de esto es que los actores tienen menos credibilidad que Fran Perea haciendo de Guardia Civil, estos actores no son amateur, tienen la misma calidad que si coges a tus padres y les pides que te ayudan a recitar las frases de teatro. Ya sabéis qué momento, cuando alguien que no tiene ni puta idea se crece y empieza a hacerse el divo/diva leyendo cuatro con entonación y sobreactuando en cada letra de cada palabra de cada frase. Para colmo las historias son dramones (el primero una doble vida y el segundo unas hermanas con más líos sanguíneos que una película de Almodóvar).

Todo ello adornado de una voz en off que parece sacada de Informe Semanal y te va relatando todo como si de un capítulo de Supernanny se tratara con frases como “Daniel está viendo como su vida se desmorona” y cosas así, mientras Daniel se esfuerza en parecer preocupado. Y también hay rótulos. Que esa es otra del tipo: “Susana – Va a luchar hasta saber la verdad” o Jessica Díez “Toda su vida se ha venido abajo” ya veis que de morbo andan sobrados…

Luego todo tiene unas lagunas monumentales, la primera historia transcurre en Noviembre de 2011 y luego dicen que un año después… es decir, ¡qué han filmado el futuro! Y la niña no crecía ni un centímetro… os hacéis una idea del despropósito general.

En fin, que un poco me siento culpable porque de tanto poner a parir a las series españoles estamos provocando que los actores se tengan que conformar con cualquier mierda. Porque “Secretos y mentiras” es eso, un gran mojón sin un ápice de calidad técnica o artística, con unos cortes en montaje que parecen dados por un leñador borracho y una selección musical que provoca la carcajada en momentos de tensión (Aleluya, aleluyaaaaa) sumada a unas interpretaciones que no son dignas de ser llamadas así.

En resumen, no sé cómo le irá en audiencia porque la gente se traga una de mierda que alucinas, pero de calidad es vergonzoso, casposo, cutre, chapucero y que provoca la carcajada a cada segundo. Pero de manera inintencionada y para colmo, los actores y actrices son muy feos. Sé que no tiene nada que ver, pero es como la guinda del pastel ante tanto cutrerío.

Y que no me digan que esto es novedoso porque estas recreaciones las he visto yo en la 2 por las tardes y en la primera etapa de cuatro, ¿o nadie se acuerda de aquellas chicas en la ciudad?

Lo mejor: El choteo en twitter
Lo peor: Es difícil, pero diría que los actores

Valoración: 0/10 Esto es basura.

martes, 24 de abril de 2012

Crítica TV - El Número Uno Gala 5

Las cosas van mucho mejor

A cada uno lo que es de cada uno y si hace unas semanas decía 5 errores que“El Número uno” debía mejorar es justo reconocer también cuando las cosas se hacen bien y cuando las cosas funcionan. Y anoche la gala del concurso musical de Antena 3 funcionó.

No sé si me han leído (no aspiro a tanto) pero desde luego que no he sido el único en darse cuenta de los errores que hablaba entonces y poner remedio.

Primer acierto – Ahora el jurado solo blinda a uno y deja más poder en manos del público. Nos hace partícipes y podemos deshacernos de concursantes que o nos gustan como anoche con la salida de Meritxell también conocida como “la sobrada” por estos lares.

Segundo acierto – Se acabó la cháchara y el mamoneo. Una cosa es el buen rollo, al que me sumo y me encanta que esto no sean insultos y faltas de respeto, pero es que últimamente era un cachondeo con concursantes que cantaban dos veces, que regalaban cosas al jurado y tanta palabrería de Bustamante que acababa por hacerte cambiar de canal a ver qué pasaba en Gran Hermano. Mucho mejor así, cantas, te valoran y a otra cosa.

Tercer acierto – Mejores coreografías. Ya no parece tanto la función del colegio. Queda por resolver el tema de la realización obsesionada con los planos de concursantes y jurado en lugar de la canción y la interpretación del cantante. Pero ya no tiene ese aire amateur de la segunda gala.

Cuarto acierto – Adios a los discursos de agradecimientos a jurado, programa, compañeros y hasta la madre que los parió. Te salvan, te alegras y te piras. Ayer los blindajes fueron por primera vez emocionantes. Bien hecho. Porque antes era desesperante.

Quinto acierto – Es todo más espectacular. Es cierto que la niña me desespera con ese trato de favor tan descarado, pero ayer hubo tres artistas que te pueden gustar más o menos pero son verdaderos artistas y cantantes de primera fila.

A mayores creo que Paula Vázquez ya se encuentra mucho más cómoda y capaz de soltar sus perlas “Laia ha venido de turquesa” cuando iba rojo tomate o “Raphael, ¿alguna vez has hecho la calle?” o “Lang Lang, el mejor pianista del mundo, ha venido solamente para TOCARTE”, ojo que no digo que sean errores ni nada malo sino que dan espontaneidad a la gala y de hecho me gustan, la verdad.

Aún así, todo no puede ser bueno, sigo teniendo mis peros y es que lo de ayer de Miguel Bosé es de esas cosas que te hacen dejar de ver un programa. Y es que el cantante pagado de sí mismo decidió salvar a la niña tras solo un par de actuaciones y sin escuchar al resto. Es una falta de respeto tanto para los concursantes, sus familiares como sobre todo ante el espectador que asiste atónito al ver cómo las normas se las pasan por la torera y se beneficia a una concursante que además ya lleva bastante semanas siendo beneficiada. Si esto está hecho para que gane ella que no nos tomen más el pelo.

Y aunque ya lo he comentado recordar el aspecto de la realización, que ayer hubo hasta cortinilla de estrellas como si Homer Simpson estuviese a cargo de los mandos.

los videos también son un poco roba tiempo de relleno, el del tenis no le veo sentido porque no es ni gracioso, ni divertido, ni aporta nada.

Por lo demás creo que tenemos un buen programa de televisión y con dinamismo, ritmo, elegancia y diversión. Aunque me da miedo que ayer Bustamante estuviese tan callado por estar enfermo y vuelva a hacer de éste su show cuando él no es el protagonista sino los concursantes. Pero de momento, ayer fue un gran programa.


Sigue leyendo para ver el ranking semanal de los concursantes

viernes, 13 de abril de 2012

Crítica de TV - THE CLIENT LIST- 5/10

El Burdel de los amores



Cuando a Jennifer Love Hewitt le cancelaron la serie “Entre Fantasmas (“Ghost Whisperer”) se quedó un poco perdida. Eterna actriz que prometía ser la nueva esperanza de estrella y que se ha hecho mayor sin conseguir un papel verdaderamente relevante en el cine pero que con aquella serie se hizo un gran hueco en la pequeña pantalla. Al menos entre el público.

El caso es que tras ello se ha dedicado a hacer películas de televisión algunas mejores y otras peores, pero siempre con bastante respaldo por parte de la audiencia.

Su verdadero éxito crítico fue la película para televisión en la que se basa esta serie: The Client List. No es que aquella película fuese para tirar cohetes, pero por lo menos era ágil de ver y como nunca voy a ser objetivo con la actriz porque estoy profundamente enamorado de ella, me ceñiré a decir que fue nominada al globo de oro como mejor actriz y sonó en varias quinielas para ser candidata al Emmy aunque aquello nunca terminó por ocurrir.

Jennifer Love Hewitt tiene muchas cosas pero la chica no es tonta, y habló con la cadena para coproducir una serie. Al ser una cadena de cable (Lifetime) las cosas con la audiencia siempre son más relajadas (ojo que fue tercera opción de cable del domingo tras Broadwalk empire y Mad Men) y da más margen a temas subidos de tono como el argumento (aunque  la serie finalmente es muy blanca).

Y es que en The Client List, Love Hewitt es una madre de dos chiquillos a los que quiere hasta lo empalagoso y que se ve agobiada por la hipoteca y los gastos. Entonces decide sacar partido a su título de masajista por recomendación de una amiga que también es masajista y nuestra protagonista consigue el trabajo. Lo que no se imagina es que en ese SPA se terminan los masajes con Final Feliz. Entonces empezará el debate moral sobre si hacerlo o no y cómo hacerlo.

Esa es la teoría, la práctica es un poco diferente. Esto no es un drama pese a que a veces juegue a ello, el tono es ligero, muy ligero y los momentos dramáticos casi están como de adorno para lucimiento de la protagonista que llora, ¡madre lo que llora a lo largo de los 40 minutos! Pero tiene un tono de comedia happy que choca mucho con lo que te cuenta.

Digo aire ligero/cómico pero no hay ni un solo ápice de ironía o sarcasmo, ni un matiz de crítica hacia nada así que tampoco esperéis un Weeds sobre la prostitución.

miércoles, 11 de abril de 2012

Crítica de TV - LUNA, EL MISTERIO DE CALENDA - 0,5/10

El loooooobo que gran turrón, ¡qué gran turrón!






¡Qué chapuza!
No sé si es que estoy revisionando Twin Peaks o qué narices pasa con las series de misterio hoy en día, pero ¿tan difícil es hacer algo medianamente aceptable en este país? De toda la retahíla de estrenos recientes las únicas salvables han sido Gran Hotel y Punta Escarlata, el resto han sido desde muy malas hasta la categoría de vergüenza ajena. La que nos ocupaba anoche “Luna, el misterio de Calenda” es de ese último grupo del que te quedas ojiplático y con la carcajada idiota ante tal cantidad de mezclas de argumentos, géneros y copias a series y películas varias en un ton sin son de escenas mal entrelazadas y peor llevadas a puerto.
Esta serie es un desastre.

Y es que nos llega otra más tras lo bien que les funcionó El Internado (reconozcamos a día de hoy que pese a que alargaron hasta el absurdo la trama, la serie mantuvo la cabeza bastante alta y visto lo visto va terminar siendo una obra maestra, porque no hay punto de comparación)

El caso es que en la campaña promocional de “Luna, el misterio de Calenda” han dicho que ésta es más adulta que aquella y que se parece mucho más a Twin Peaks. Meter a la obra maestra de David Lynch en la misma frase que la tomadura de pelo protagonizada por belén Rueda es como decir que Torrente es como Sed de Mal, ya que en las dos hay policías. Sí, en la mierda esta de Calenda hay un asesinato que hay que resolver (como en todas las de suspense que se hacen ahora), pero por favor, lo grande de Twin Peaks no es saber quién es el asesino de Laura Palmer sino la atmósfera, el cómo se construye un laberinto peligroso, tétrico, oscuro, prohibido…
En “Luna, el misterio de Calenda” el ambiente está tan cuidado que podrían hacer un crossover con “Con el culo al aire” y no pasaría nada.

martes, 10 de abril de 2012

5 defectos de "El Número Uno" que deben cuidar

Nada es perfecto




Tengo que decir antes de nada que “El Número 1” es un buen concurso musical bien planteado y sobre todo con un buen casting de buenas voces y artistas que viene a llenar un hueco que hacía falta en España y es el de un concurso de cantantes que el público pueda respetar y disfrutar. Aún así tiene varios defectos que he visto durante las tres galas que llevamos y que hacen que el resultado no sea del todo perfecto y que se pueden ir puliendo.

Estos son los cinco que he encontrado más llamativos:

1- El jurado tiene demasiado/todo el poder
En OT nominaban y los compañeros/profesores/público salvaban. En X Factor (el espejo en el que todos los concursos de cantantes deberían mirarse) el público salva a sus favoritos y los dos menos votados se salvan en duelo frente al jurado que elige quién se marcha. En este “número uno” el jurado prácticamente se lo guisa y se lo come. Primero blinda a todos menos cuatro y es entonces cuando el público salva a dos y de esos otros el jurado otra vez expulsa.

No me gusta nada que se vaya votando durante todas las actuaciones y que digan los salvados del público cuando ya hay cuatro “nominados” o “no salvados” porque dejan a entrever que el papel del público es meramente testimonial. Y es frustrante ver como gente que no vendería un disco ni daría un concierto en una plaza se salva por mera lástima o cariño del jurado (como la niña y el señor mayor). En estos concursos integrar al público es VITAL porque si no tenemos la impresión de ser meros testigos de algo pactado y amañado de antemano.

La fórmula ideal sería público salva a todos menos 7, el jurado salva cada uno a su favorito y esos dos se baten en duelo y el público decide de nuevo.

2- Demasiada cháchara. 
Tras actuar se tiran hablando con el jurado media vida que hace que olvidemos de qué va todo esto. Y seamos honestos el afán de protagonismo de Bustamante acaba saturando. Anoche salió a cantar, hizo bromas cada dos por tres con cada miembro del jurado, hablaba cuando no le tocaba, repetía sus bromas una y otra vez hasta que le hacían caso… saturaba. Y es una pena porque el jurado me parece muy acertado, pero un poco menos de ellos y más de los concursante vendría muy bien.

3- El cuerpo de baile
Madre de Dios los pelucones de ellas, los primeros planos extraños y las coreografías generales de función de final de curso a veces acaban por joder buenas actuaciones como la de Yadel anoche. La realización en general es un poco pobre y poco ensayada, o esa es la impresión que da.

4- Los agradecimientos al ser salvados.
En fin ¿es necesario? Es desesperadamente aburrido ver cómo salvan y agradecen a su familia, al jurado y a todo Cristo viviente dilatando aquello y haciendo del momento más importante y emocionante el más coñazo y pesado. Me recuerda a la gala de los Goya donde me importa un bledo a quién dedican ese momento. Te has salvado, me alegro por ti. NEXT! Porque acabar a la 1:30 es desde todas luces alargarse hasta el infinito.

5- Demasiado “Karaoke”
Recuerdo que la primera gala me llevé una sorpresa muy buena al ver aquel “We found love” en versión Boyce Avenue, acústica. Después Lady Cherry ha hecho suyas las canciones y Laia también, pero la mayoría sale ahí a hacer su karaoke facilón, y eso que casi todos entienden de música. Chicos, es vuestra oportunidad de luciros!! Dejaros de coreografías de los años 2000 y concentraros en hacer algo vuestro!!

Y esos son los cinco puntos que creo que están lastimando un poco al programa, que por otro lado me parece bueno y acertado, divertido y con ritmo. Hay muchas críticas a Paula Vázquez, en lo que a mí respecta, tras ver en su día a Pilar Rubio le podrían dar un Emmy a Vázquez comparada con aquella.

TAKE SHELTER (2011) - ****1/2

El miedo de mirar al cielo



Take Shelter (Take Shelter, 2011) es únicamente un regalo para cualquiera que le apetezca disfrutar del buen cine. Son dos películas en una, quizás tres, pero tan perfectamente engrasadas y dirigidas que hace de visionarla una perfecta maravilla.

En primer lugar es un film apocalíptico de autor, basado en señales sobre un supuesto fin del mundo. Nada más lejos de la realidad, esto no es tan ambicioso, es una gran tormenta que se avecina y que va a marcar desgracias, eso es lo que ve Curtis Laforche, el protagonista de esta historia que a través de sus sueños (“no son sueños, son más bien sentimientos”) tormentas, locura animal, ingravidez de habitaciones, manadas de pájaros que atacan furiosamente o vuelan de manera extraña…

La segunda película que hay dentro es quizás la más fuerte, el miedo a la locura que tiene el protagonista. Seamos sinceros, si viésemos eso en nuestros sueños de manera repetida y de forma tan fuerte pensaríamos estar perdiendo la cabeza. En el caso del protagonista es más fuerte ya que su madre padeció esquizofrenia más o menos a su edad y vive recluida. El protagonista empieza a dudar de su cordura mental y a plantearse su condición mental que a la vez le es inevitable. Sabe que puede no ser real la premonición de su perro mordiéndole el brazo pero no puede evitar sentir miedo por él en la vida “real”. Su continuo devenir entre lo real y lo imaginario le hará acercarse peligrosamente a la locura sobre todo por amor a su mujer y a su hija, a las que se ve que adora y por las que continua tratando de proteger a toda costa de cada situación.

La tercera película y la que funciona de pegamento y da el tono de la cinta es un drama costumbrista de una familia con problemas y la manera de afrontarlos con fuerza y coraje. La familia vive como todo el mundo, justa de dinero y trabajando y tiene una hija sordomuda que tiene opciones de una carísima operación que les devuelva la normalidad. Esa es la realidad que viven ante todo lo que se va aconteciendo en la mente del protagonista. La forma en la que se quieren es simplemente digna de ver.

viernes, 6 de abril de 2012

BLANCANIEVES (Mirror, mirror) (2012) - *1/2

De putanieves a madrastra en un par de décadas



Vaya por delante que “Blancanieves Mirror Mirror” (Snowwhite: Mirror, Mirror, 2012) , es una película que no debería haber visto nunca la luz del día.
La culpable de todo esto es Alicia en el país de las maravillas, no lo dudemos. Cuando Tim Burton recuperó aquella historia para “adaptarla” a su toque y sobre todo, cuando consiguió convertirse en un taquillazo mundial que fue mucho más allá de las pantallas de cine a la moda, merchandising, libros… cuando sucedió todo aquello a nadie le importó que aquella cinta fuese de lo más flojo de su director. Lo que importó es que se pusieron de moda los cuentos clásicos otra vez (como si hubiesen dejado de estarlo alguna vez) y se abrió la veda a toda una retahíla de anuncios de adaptaciones.
Lo primero lógicamente por inmediatez fue la televisión que nos dio la muy mediocre Grimm y la maravillosa Once upon a Time.

En cine se anunciaron corriendo dos adaptaciones del cuento de Blancanieves, y empezó una guerra por estrenarlas antes, por llenar el reparto de nombre y por tratar de crear una imagen propia.

Poco a poco las cartas se fueron poniendo sobre la mesa y una consiguió un hype mucho más grande que la otra con lo cual había que darse prisa en soltar el producto antes que quedara en nada. Las dos adaptaciones son “Blancanieves, la leyenda del cazador” que recuerda en buena a la épica del señor de los anillos y con una cuidada puesta en escena y la que hoy me ocupa “Blancanieves (mirror, mirror…)” un churro patatero que parece un anuncio de una colonia de los chinos con muchos puntos verdaderamente vergonzosos, carentes de inspiración y sin sentido del ritmo ni gracia.

miércoles, 28 de marzo de 2012

3 años amando el cine

lunes, 19 de marzo de 2012

Especial - YO MATÉ A LAURA PALMER - Episodio Piloto

“Hay muchas historias en Twin Peaks, algunas son tristes y otras, divertidas. Algunas son historias de locura, de violencia. Algunas son corrientes, aunque todas tienen un toque de misterio. El misterio de la vida. A veces, el misterio de la muerte. El misterio del bosque. El bosque que rodea Twin Peaks. Para presentar esta historia, permitidme decir que comprende un todo. Está más allá del fuego, aunque pocos comprenden el significado de eso. Es la historia de muchos, pero comienza con Una. La que conduce a los demás es Laura Palmer. Laura es esa una.”





REVIEW EPISODIO PILOTO

Durante los primeros siete minutos y medio que arranca la serie, vemos como un hombre de un pacífico pueblo rodeado de bosques y dos montañas se acerca a pescar. Está amaneciendo, hay un aire de tensa calma en ese lugar en la frontera entre Estados Unidos y Canadá con 51201 habitantes. Entonces este hombre ve algo envuelto en unos plásticos trasparentes junto al río.
Es un cadáver, y en el minuto 7:30 escuchamos ese nombre que hizo girar la cabeza a medio mundo y que todavía hoy sigue vivo en el colectivo popular: Laura Palmer. Ella es la que está entre esos plásticos. Al menos su cuerpo, su vida, su alma, sus sueños y su espíritu continúa entre las historias que conforman el pueblo. 51200.

Laura es la reina del pueblo, guapa, popular, buena estudiante… un poco el ejemplo a seguir de  todo el mundo. Y la noticia de su muerte y asesinato deja conmocionados a todo el pueblo.

Ahí es donde llega el agente Cooper, a tratar de arrojar luz y descifrar el misterio de ¿Quién mató a Laura Palmer? Y al no haber un claro culpable tendrá que meterse en la intrahistoria de los habitantes donde cada uno guarda un misterio y una relación diferente, ya no solo con la víctima sino entre ellos.

miércoles, 7 de marzo de 2012

ESTUDIOS DE CINE - EL CINE AUSTRALIANO Y NEOZELANDÉS CONTEMPORÁNEO

Viaje a las antípodas








Antes de los 90, la industria de cine australiana se encontraba claramente dividida en dos partes. Por un lado, el cine prestigioso de Fred Schepisi, Peter Weir y Gilliam Amstrong, que narraban típicas historias australianas: elaboradas, diseñadas con cuidado, ricas, artísticas y con una elegancia sutil.
Por otro lado, la industria de películas de serie B estaba en auge con comedias sexuales, y películas de aventura y acción y terror comúnmente llamado “Ozplitation”

Este nacimiento creativo se apodó como Australian New Wave que mucho tuvo que ver con las ayudas e impulsos de la Commonwealth y comenzaron a sufrir una crisis en 1980 debido a la reducción de ayuda estatal hasta que fue languideciendo más y más en películas dramáticas modestas de consumo propio.

No fue hasta los 90 cuando el continente australiano se abre cada vez más hacia fuera, empieza a crear una amplia diversidad temática y narrativa y abundan las colaboraciones internacionales con la idea de redefinir su imagen cultural y pasar página de su gran éxito anterior Cocodrilo Dundee (1986) y los dramas autóctonos de realismo social con fuerte contenido cultural y pocos matices “exportables”.

Gran parte del éxito corresponde a una generación de actores australianos que rompieron fronteras y ocuparon el star system mundial con su desembarco en Hollywood siguiendo los pasos de Mel Gibson, hablamos de Geoffrey Rush, Nicole Kidman, Russell Crowe, Cate Blanchett, Eric Bana, Toni Collete, Heath Ledger o Sam Worthington entre otros.

Peter Weir (1944) se consagraba en Hollywood con producciones americanas como Matrimonio de conveniencia (Green Card, 1990) y sobre todo lograba el respaldo definitivo con El Show de Truman (The Truman Show, 1998) y Master & Commander: Al otro lado del mundo (Master & Commander: The far side of the world, 2003).

Los directores autóctonos comienzan una nueva oleada con el fin de situar Australia en el mapa y dar nuevos aires al continente olvidando los conflictos de su pasado colonial y ofrecer una visión optimista e integradora.

Fruto de ésta ola surgen a comienzos de los 90 tres películas que serían claves para dar esta nueva imagen, tres grandes éxitos internacionales que rompieron los estereotipos y convenciones del cine Australiano hasta ese entonces con temas muy conocidos, espíritu desenfadado, guiones novedosos y casi autoparódicos y grandes interpretaciones. Hablamos de El amor está en el aire (Strictly Ballroom, 1992), La boda de Muriel (Muriel’s wedding, 1994) y Las aventuras de Priscilla reina del desierto (The adventures of Priscilla, queen of Desert, 1993). El colorido de las cintas, su carácter jovial, desenfadado y festivo y su marcada índole internacional provocaron éxitos de taquilla y reconocimiento por todo el mundo.

Con éstas reinvenciones de géneros Hollywood se fue interesando progresivamente en el estilo que surgía e iba adoptando como propios grandes nombres del continente.

El paulatino éxito y reconocimiento de la industria hacia el cine de las antípodas hizo que las películas fuesen cada vez más y más internacionales y fruto de ello llegaron los grandes titulares de la historia fílmica del continente: en 1993 Jane Campion consigue con El Piano (The Piano, 1993) ocho nominaciones a los Oscar y la palma de Oro en el festival de Cannes abriendo la puerta a la integración definitiva y la exportación internacional de su cine que se continuó con la comedia familiar Babe, el cerdito valiente (Babe, 1995) que obtuvo siete nominaciones a los Oscar y se mantiene vigente a día de hoy con continuas nominaciones y premios a cintas como Moulin Rouge!, Australia, Shine, Animal Kingdom y la que es, a día de hoy, la cinta más cara de la historia del país, la comedia musical de animación Happy Feet.

Mención aparte merece el neozelandés Peter Jackson (1961), que también traspasó fronteras con el drama Criaturas celestiales (Heavenly creatures, 1994) y la maquinaria de Hollywood le reclutó para llevar a puerto grandes proyectos con abultados presupuestos como la trilogía de El señor de los anillos y el remake de King Kong. Es de reseñar tanto éste director como Baz Luhrmann, pese a estar ampliamente integrados en los engranajes americanos continúan rodando en el continente pese a que toda la producción económica procede de grandes estudios estadounidenses consiguiendo potenciar y reactivar la industria fílmica del país.

Y es que en estos 20 años, Australia y sus cineastas han lavado la imagen del continente y convirtiéndose junto al Reino Unido en los brazos derechos del imperio americano y lanzando continuamente productos comerciales que obtienen un gran éxito internacional como El Santuario (Sanctum,2001), Daybreakers (Daybreakers, 2011), Mañana cuando la guerra empiece (Tomorrow when the war began, 2010), Wolf Creek (Wolf creek, 2005) o El territorio de la bestia (Rogue, 2007). Cintas cuya nacionalidad es solo una acepción ya que se fabrican para convencer a la audiencia global.