LOS JUEGOS DEL HAMBRE (2012) - ****

Que la suerte esté siempre de tu lado

Esperar tanto a una película es un arma de doble filo: Por un lado hace que cuando te sientes en la sala tengas tal grado de excitación que disfrutes con cada acierto y por otro lado hace que las expectativas generadas en torno te hagan pensar que estas ante algo que luego en realidad no se corresponde.

Eso ha sucedido un poco con “Los Juegos del Hambre” la llamada a ser nueva saga-franquicia de la nueva década ante la muerte de Harry Potter y la cada vez más próxima de Crepúsculo. Además viene avalada por el éxito en Estados Unidos (tercera película en la historia en hacer mejor fin de semana de estreno, primera no secuela) y toda una horda de promoción verdaderamente interesante (recomiendo leer el artículo publicado en Fotogramas de Mayo 2012 al respecto).

A mayores yo he leído (más bien devorado) los libros en menos de 5 días y tenía tantas ganas de verla que me sentía hasta nervioso con cada anuncio en la tele. El viernes, día del estreno y a la primera sesión me senté en la sala de cine como un campeón cruzando la línea de meta y me dediqué a ver la adaptación cinematográfica de una película-acontecimiento.

El resultado tras 142 minutos de puro espectáculo y montaje electrizante puedo decir que  “Los juegos del hambre” ha cubierto mis (altas) expectativas y me ha hecho divertirme en una sala de cine. Me he reído, me he emocionado, y disfrutado de algunas auténticas genialidades por parte de su director ¡Ojala todos los grandes productos fuesen como éste!

En primer lugar la película se enmarca en un futuro en el que el mundo como lo conocemos ha terminado. Ahora se llama Panem y hay un capitolio que controla todo y el resto de la población está separada por distritos (13 en total). Una vez al año, como recuerdo a los distritos que el Cpaitolio es quién manda, cada distrito debe enviar a dos tributos (un hombre y una mujer) a los conocidos como “Juegos del Hambre” un espectáculo brutal donde lucharán a muerte siendo televisados para toda la nación.

Y hay aparece la protagonista Katniss, una joven cazadora que se salta las estrictas normas de su distrito para cazar en el bosque y evitar que su familia se muera de hambre en un entorno que recuerda mucho al de la gran depresión y la América más profunda.

Su único sentido es de protección hacia su hermana pequeña Prim tras la muerte de su padre y las pérdidas mentales constantes de su madre.

Pero, en contra de las probabilidades su hermana Prim es elegida como tributo y en un ataque de protección, Katniss decide presentarse voluntaria para ocupar su puesto. El otro tributo de su distrito es Peeta, un joven con el que tiene un acontecimiento en el pasado y un futuro más que abocado al desastre (antes o después se van a tener que matar).

Antes de ir a la sala tenía muchísimo miedo de cara a la película, porque el libro se puede (mal)interpretar por muchos sitios: elogio de la violencia, triángulo romántico, mero vehículo de acción, película simple adolescente…

Pero no, han sabido capturar la esencia del libro a la perfección, la crítica sigue estando ahí (quizás algo más escondida que en el libro) y sobre todo el contraste de ridiculez entre los dos mundos (privilegiados y resto de distritos) o la banalización absoluta del mal y la violencia en pro del espectáculo.

El que diga que la película no tiene dónde rascar para sacar conversaciones es porque no la ha terminado de entender o no quiere molestarse porque todo eso está ahí, solo hay que tener una perspectiva tridimensional y saber leer los bosquejos que se van trazando.

Crítica de TV - Secretos y Mentiras - (0/10)

 Caspa, caspa por todos lados

Madre de Dios que cutrerío.

Antes de nada y de ponerme a decir lo que pienso sobre éste “Secretos y mentiros” ponernos un poco en situación. “Secretos y mentiras” es el último intento de Telecinco de reflotar sus tardes de los fines de semana, sobre todo en sobremesa. Las series americanas no terminan de despuntar (ni Revenge ni Ringer consiguen destacar) y el cementerio de elefantes de “¡Qué tiempo tan senil!” se hunde en la sobremesa.

Así que han mirado la audiencia y han visto que el público está muy hecho a los telefilmes de Antena 3, sí, esos que siempre llevan un mortal por algún lado de su título en castellano y que protagonizan actrices (fatal) operadas que sufren unos dramones de infarto. Y han dicho, oye si no podemos con el enemigo, hagámoslo nuestro.

Y ahí es donde aparece este Secretos y mentiras que viene a ser una revisión de esas historias melodramáticas pero en un formato que quieren llamar “novedoso” y es el Reallity ficcionado.

Sé que esos dos términos son una contradicción, pero yo no inventé los términos. Para entendernos esto son como las recreaciones que hacían aquellos programas de sucesos de los 90… pero peor interpretados.

Creo que el llamarlo “reallity” es una tapadera para enmascarar lo cutre y casposo que resulta todo y el escasísimo dinero que se han gastado en ello. De verdad, he hecho prácticas (horribles) en la universidad que tenían mejor aspecto técnico que esto. Ese toque de realidad lo hacen poniendo a los “actores” a cámara diciendo cómo se sienten a cada momento.

Lo peor de esto es que los actores tienen menos credibilidad que Fran Perea haciendo de Guardia Civil, estos actores no son amateur, tienen la misma calidad que si coges a tus padres y les pides que te ayudan a recitar las frases de teatro. Ya sabéis qué momento, cuando alguien que no tiene ni puta idea se crece y empieza a hacerse el divo/diva leyendo cuatro con entonación y sobreactuando en cada letra de cada palabra de cada frase. Para colmo las historias son dramones (el primero una doble vida y el segundo unas hermanas con más líos sanguíneos que una película de Almodóvar).

Todo ello adornado de una voz en off que parece sacada de Informe Semanal y te va relatando todo como si de un capítulo de Supernanny se tratara con frases como “Daniel está viendo como su vida se desmorona” y cosas así, mientras Daniel se esfuerza en parecer preocupado. Y también hay rótulos. Que esa es otra del tipo: “Susana – Va a luchar hasta saber la verdad” o Jessica Díez “Toda su vida se ha venido abajo” ya veis que de morbo andan sobrados…

Luego todo tiene unas lagunas monumentales, la primera historia transcurre en Noviembre de 2011 y luego dicen que un año después… es decir, ¡qué han filmado el futuro! Y la niña no crecía ni un centímetro… os hacéis una idea del despropósito general.

En fin, que un poco me siento culpable porque de tanto poner a parir a las series españoles estamos provocando que los actores se tengan que conformar con cualquier mierda. Porque “Secretos y mentiras” es eso, un gran mojón sin un ápice de calidad técnica o artística, con unos cortes en montaje que parecen dados por un leñador borracho y una selección musical que provoca la carcajada en momentos de tensión (Aleluya, aleluyaaaaa) sumada a unas interpretaciones que no son dignas de ser llamadas así.

En resumen, no sé cómo le irá en audiencia porque la gente se traga una de mierda que alucinas, pero de calidad es vergonzoso, casposo, cutre, chapucero y que provoca la carcajada a cada segundo. Pero de manera inintencionada y para colmo, los actores y actrices son muy feos. Sé que no tiene nada que ver, pero es como la guinda del pastel ante tanto cutrerío.

Y que no me digan que esto es novedoso porque estas recreaciones las he visto yo en la 2 por las tardes y en la primera etapa de cuatro, ¿o nadie se acuerda de aquellas chicas en la ciudad?

Lo mejor: El choteo en twitter

Lo peor: Es difícil, pero diría que los actores

Valoración: 0/10 Esto es basura.

Crítica TV - El Número Uno Gala 5

Las cosas van mucho mejor

A cada uno lo que es de cada uno y si hace unas semanas decía 5 errores que“El Número uno” debía mejorar es justo reconocer también cuando las cosas se hacen bien y cuando las cosas funcionan. Y anoche la gala del concurso musical de Antena 3 funcionó.

No sé si me han leído (no aspiro a tanto) pero desde luego que no he sido el único en darse cuenta de los errores que hablaba entonces y poner remedio.

Primer acierto – Ahora el jurado solo blinda a uno y deja más poder en manos del público. Nos hace partícipes y podemos deshacernos de concursantes que o nos gustan como anoche con la salida de Meritxell también conocida como “la sobrada” por estos lares.

Segundo acierto – Se acabó la cháchara y el mamoneo. Una cosa es el buen rollo, al que me sumo y me encanta que esto no sean insultos y faltas de respeto, pero es que últimamente era un cachondeo con concursantes que cantaban dos veces, que regalaban cosas al jurado y tanta palabrería de Bustamante que acababa por hacerte cambiar de canal a ver qué pasaba en Gran Hermano. Mucho mejor así, cantas, te valoran y a otra cosa.

Tercer acierto – Mejores coreografías. Ya no parece tanto la función del colegio. Queda por resolver el tema de la realización obsesionada con los planos de concursantes y jurado en lugar de la canción y la interpretación del cantante. Pero ya no tiene ese aire amateur de la segunda gala.

Cuarto acierto – Adios a los discursos de agradecimientos a jurado, programa, compañeros y hasta la madre que los parió. Te salvan, te alegras y te piras. Ayer los blindajes fueron por primera vez emocionantes. Bien hecho. Porque antes era desesperante.

Quinto acierto – Es todo más espectacular. Es cierto que la niña me desespera con ese trato de favor tan descarado, pero ayer hubo tres artistas que te pueden gustar más o menos pero son verdaderos artistas y cantantes de primera fila.

A mayores creo que Paula Vázquez ya se encuentra mucho más cómoda y capaz de soltar sus perlas “Laia ha venido de turquesa” cuando iba rojo tomate o “Raphael, ¿alguna vez has hecho la calle?” o “Lang Lang, el mejor pianista del mundo, ha venido solamente para TOCARTE”, ojo que no digo que sean errores ni nada malo sino que dan espontaneidad a la gala y de hecho me gustan, la verdad.

Aún así, todo no puede ser bueno, sigo teniendo mis peros y es que lo de ayer de Miguel Bosé es de esas cosas que te hacen dejar de ver un programa. Y es que el cantante pagado de sí mismo decidió salvar a la niña tras solo un par de actuaciones y sin escuchar al resto. Es una falta de respeto tanto para los concursantes, sus familiares como sobre todo ante el espectador que asiste atónito al ver cómo las normas se las pasan por la torera y se beneficia a una concursante que además ya lleva bastante semanas siendo beneficiada. Si esto está hecho para que gane ella que no nos tomen más el pelo.

Y aunque ya lo he comentado recordar el aspecto de la realización, que ayer hubo hasta cortinilla de estrellas como si Homer Simpson estuviese a cargo de los mandos.

los videos también son un poco roba tiempo de relleno, el del tenis no le veo sentido porque no es ni gracioso, ni divertido, ni aporta nada.

Por lo demás creo que tenemos un buen programa de televisión y con dinamismo, ritmo, elegancia y diversión. Aunque me da miedo que ayer Bustamante estuviese tan callado por estar enfermo y vuelva a hacer de éste su show cuando él no es el protagonista sino los concursantes. Pero de momento, ayer fue un gran programa.

Sigue leyendo para ver el ranking semanal de los concursantes

Crítica de TV - THE CLIENT LIST- 5/10

El Burdel de los amores

Cuando a Jennifer Love Hewitt le cancelaron la serie “Entre Fantasmas (“Ghost Whisperer”) se quedó un poco perdida. Eterna actriz que prometía ser la nueva esperanza de estrella y que se ha hecho mayor sin conseguir un papel verdaderamente relevante en el cine pero que con aquella serie se hizo un gran hueco en la pequeña pantalla. Al menos entre el público.

El caso es que tras ello se ha dedicado a hacer películas de televisión algunas mejores y otras peores, pero siempre con bastante respaldo por parte de la audiencia.

Su verdadero éxito crítico fue la película para televisión en la que se basa esta serie: The Client List. No es que aquella película fuese para tirar cohetes, pero por lo menos era ágil de ver y como nunca voy a ser objetivo con la actriz porque estoy profundamente enamorado de ella, me ceñiré a decir que fue nominada al globo de oro como mejor actriz y sonó en varias quinielas para ser candidata al Emmy aunque aquello nunca terminó por ocurrir.

Jennifer Love Hewitt tiene muchas cosas pero la chica no es tonta, y habló con la cadena para coproducir una serie. Al ser una cadena de cable (Lifetime) las cosas con la audiencia siempre son más relajadas (ojo que fue tercera opción de cable del domingo tras Broadwalk empire y Mad Men) y da más margen a temas subidos de tono como el argumento (aunque  la serie finalmente es muy blanca).

Y es que en The Client List, Love Hewitt es una madre de dos chiquillos a los que quiere hasta lo empalagoso y que se ve agobiada por la hipoteca y los gastos. Entonces decide sacar partido a su título de masajista por recomendación de una amiga que también es masajista y nuestra protagonista consigue el trabajo. Lo que no se imagina es que en ese SPA se terminan los masajes con Final Feliz. Entonces empezará el debate moral sobre si hacerlo o no y cómo hacerlo.

Esa es la teoría, la práctica es un poco diferente. Esto no es un drama pese a que a veces juegue a ello, el tono es ligero, muy ligero y los momentos dramáticos casi están como de adorno para lucimiento de la protagonista que llora, ¡madre lo que llora a lo largo de los 40 minutos! Pero tiene un tono de comedia happy que choca mucho con lo que te cuenta.

Digo aire ligero/cómico pero no hay ni un solo ápice de ironía o sarcasmo, ni un matiz de crítica hacia nada así que tampoco esperéis un Weeds sobre la prostitución.

Crítica de TV - LUNA, EL MISTERIO DE CALENDA - 0,5/10

El loooooobo que gran turrón, ¡qué gran turrón!

¡Qué chapuza!

No sé si es que estoy revisionando Twin Peaks o qué narices pasa con las series de misterio hoy en día, pero ¿tan difícil es hacer algo medianamente aceptable en este país? De toda la retahíla de estrenos recientes las únicas salvables han sido Gran Hotel y Punta Escarlata, el resto han sido desde muy malas hasta la categoría de vergüenza ajena. La que nos ocupaba anoche “Luna, el misterio de Calenda” es de ese último grupo del que te quedas ojiplático y con la carcajada idiota ante tal cantidad de mezclas de argumentos, géneros y copias a series y películas varias en un ton sin son de escenas mal entrelazadas y peor llevadas a puerto.

Esta serie es un desastre.

Y es que nos llega otra más tras lo bien que les funcionó El Internado (reconozcamos a día de hoy que pese a que alargaron hasta el absurdo la trama, la serie mantuvo la cabeza bastante alta y visto lo visto va terminar siendo una obra maestra, porque no hay punto de comparación)

El caso es que en la campaña promocional de “Luna, el misterio de Calenda” han dicho que ésta es más adulta que aquella y que se parece mucho más a Twin Peaks. Meter a la obra maestra de David Lynch en la misma frase que la tomadura de pelo protagonizada por belén Rueda es como decir que Torrente es como Sed de Mal, ya que en las dos hay policías. Sí, en la mierda esta de Calenda hay un asesinato que hay que resolver (como en todas las de suspense que se hacen ahora), pero por favor, lo grande de Twin Peaks no es saber quién es el asesino de Laura Palmer sino la atmósfera, el cómo se construye un laberinto peligroso, tétrico, oscuro, prohibido…

En “Luna, el misterio de Calenda” el ambiente está tan cuidado que podrían hacer un crossover con “Con el culo al aire” y no pasaría nada.

5 defectos de "El Número Uno" que deben cuidar

Nada es perfecto

Tengo que decir antes de nada que “El Número 1” es un buen concurso musical bien planteado y sobre todo con un buen casting de buenas voces y artistas que viene a llenar un hueco que hacía falta en España y es el de un concurso de cantantes que el público pueda respetar y disfrutar. Aún así tiene varios defectos que he visto durante las tres galas que llevamos y que hacen que el resultado no sea del todo perfecto y que se pueden ir puliendo.

Estos son los cinco que he encontrado más llamativos:

1- El jurado tiene demasiado/todo el poder

En OT nominaban y los compañeros/profesores/público salvaban. En X Factor (el espejo en el que todos los concursos de cantantes deberían mirarse) el público salva a sus favoritos y los dos menos votados se salvan en duelo frente al jurado que elige quién se marcha. En este “número uno” el jurado prácticamente se lo guisa y se lo come. Primero blinda a todos menos cuatro y es entonces cuando el público salva a dos y de esos otros el jurado otra vez expulsa.

No me gusta nada que se vaya votando durante todas las actuaciones y que digan los salvados del público cuando ya hay cuatro “nominados” o “no salvados” porque dejan a entrever que el papel del público es meramente testimonial. Y es frustrante ver como gente que no vendería un disco ni daría un concierto en una plaza se salva por mera lástima o cariño del jurado (como la niña y el señor mayor). En estos concursos integrar al público es VITAL porque si no tenemos la impresión de ser meros testigos de algo pactado y amañado de antemano.

La fórmula ideal sería público salva a todos menos 7, el jurado salva cada uno a su favorito y esos dos se baten en duelo y el público decide de nuevo.

2- Demasiada cháchara. 

Tras actuar se tiran hablando con el jurado media vida que hace que olvidemos de qué va todo esto. Y seamos honestos el afán de protagonismo de Bustamante acaba saturando. Anoche salió a cantar, hizo bromas cada dos por tres con cada miembro del jurado, hablaba cuando no le tocaba, repetía sus bromas una y otra vez hasta que le hacían caso… saturaba. Y es una pena porque el jurado me parece muy acertado, pero un poco menos de ellos y más de los concursante vendría muy bien.

3- El cuerpo de baile

Madre de Dios los pelucones de ellas, los primeros planos extraños y las coreografías generales de función de final de curso a veces acaban por joder buenas actuaciones como la de Yadel anoche. La realización en general es un poco pobre y poco ensayada, o esa es la impresión que da.

4- Los agradecimientos al ser salvados.

En fin ¿es necesario? Es desesperadamente aburrido ver cómo salvan y agradecen a su familia, al jurado y a todo Cristo viviente dilatando aquello y haciendo del momento más importante y emocionante el más coñazo y pesado. Me recuerda a la gala de los Goya donde me importa un bledo a quién dedican ese momento. Te has salvado, me alegro por ti. NEXT! Porque acabar a la 1:30 es desde todas luces alargarse hasta el infinito.

5- Demasiado “Karaoke”

Recuerdo que la primera gala me llevé una sorpresa muy buena al ver aquel “We found love” en versión Boyce Avenue, acústica. Después Lady Cherry ha hecho suyas las canciones y Laia también, pero la mayoría sale ahí a hacer su karaoke facilón, y eso que casi todos entienden de música. Chicos, es vuestra oportunidad de luciros!! Dejaros de coreografías de los años 2000 y concentraros en hacer algo vuestro!!

Y esos son los cinco puntos que creo que están lastimando un poco al programa, que por otro lado me parece bueno y acertado, divertido y con ritmo. Hay muchas críticas a Paula Vázquez, en lo que a mí respecta, tras ver en su día a Pilar Rubio le podrían dar un Emmy a Vázquez comparada con aquella.

TAKE SHELTER (2011) - ****1/2

El miedo de mirar al cielo

Take Shelter (Take Shelter, 2011) es únicamente un regalo para cualquiera que le apetezca disfrutar del buen cine. Son dos películas en una, quizás tres, pero tan perfectamente engrasadas y dirigidas que hace de visionarla una perfecta maravilla.

En primer lugar es un film apocalíptico de autor, basado en señales sobre un supuesto fin del mundo. Nada más lejos de la realidad, esto no es tan ambicioso, es una gran tormenta que se avecina y que va a marcar desgracias, eso es lo que ve Curtis Laforche, el protagonista de esta historia que a través de sus sueños (“no son sueños, son más bien sentimientos”) tormentas, locura animal, ingravidez de habitaciones, manadas de pájaros que atacan furiosamente o vuelan de manera extraña…

La segunda película que hay dentro es quizás la más fuerte, el miedo a la locura que tiene el protagonista. Seamos sinceros, si viésemos eso en nuestros sueños de manera repetida y de forma tan fuerte pensaríamos estar perdiendo la cabeza. En el caso del protagonista es más fuerte ya que su madre padeció esquizofrenia más o menos a su edad y vive recluida. El protagonista empieza a dudar de su cordura mental y a plantearse su condición mental que a la vez le es inevitable. Sabe que puede no ser real la premonición de su perro mordiéndole el brazo pero no puede evitar sentir miedo por él en la vida “real”. Su continuo devenir entre lo real y lo imaginario le hará acercarse peligrosamente a la locura sobre todo por amor a su mujer y a su hija, a las que se ve que adora y por las que continua tratando de proteger a toda costa de cada situación.

La tercera película y la que funciona de pegamento y da el tono de la cinta es un drama costumbrista de una familia con problemas y la manera de afrontarlos con fuerza y coraje. La familia vive como todo el mundo, justa de dinero y trabajando y tiene una hija sordomuda que tiene opciones de una carísima operación que les devuelva la normalidad. Esa es la realidad que viven ante todo lo que se va aconteciendo en la mente del protagonista. La forma en la que se quieren es simplemente digna de ver.

BLANCANIEVES (Mirror, mirror) (2012) - *1/2

De putanieves a madrastra en un par de décadas

Vaya por delante que “Blancanieves Mirror Mirror” (Snowwhite: Mirror, Mirror, 2012) , es una película que no debería haber visto nunca la luz del día.

La culpable de todo esto es Alicia en el país de las maravillas, no lo dudemos. Cuando Tim Burton recuperó aquella historia para “adaptarla” a su toque y sobre todo, cuando consiguió convertirse en un taquillazo mundial que fue mucho más allá de las pantallas de cine a la moda, merchandising, libros… cuando sucedió todo aquello a nadie le importó que aquella cinta fuese de lo más flojo de su director. Lo que importó es que se pusieron de moda los cuentos clásicos otra vez (como si hubiesen dejado de estarlo alguna vez) y se abrió la veda a toda una retahíla de anuncios de adaptaciones.

Lo primero lógicamente por inmediatez fue la televisión que nos dio la muy mediocre Grimm y la maravillosa Once upon a Time.

En cine se anunciaron corriendo dos adaptaciones del cuento de Blancanieves, y empezó una guerra por estrenarlas antes, por llenar el reparto de nombre y por tratar de crear una imagen propia.

Poco a poco las cartas se fueron poniendo sobre la mesa y una consiguió un hype mucho más grande que la otra con lo cual había que darse prisa en soltar el producto antes que quedara en nada. Las dos adaptaciones son “Blancanieves, la leyenda del cazador” que recuerda en buena a la épica del señor de los anillos y con una cuidada puesta en escena y la que hoy me ocupa “Blancanieves (mirror, mirror…)” un churro patatero que parece un anuncio de una colonia de los chinos con muchos puntos verdaderamente vergonzosos, carentes de inspiración y sin sentido del ritmo ni gracia.

3 años amando el cine

Especial - YO MATÉ A LAURA PALMER - Episodio Piloto

“Hay muchas historias en Twin Peaks, algunas son tristes y otras, divertidas. Algunas son historias de locura, de violencia. Algunas son corrientes, aunque todas tienen un toque de misterio. El misterio de la vida. A veces, el misterio de la muerte. El misterio del bosque. El bosque que rodea Twin Peaks. Para presentar esta historia, permitidme decir que comprende un todo. Está más allá del fuego, aunque pocos comprenden el significado de eso. Es la historia de muchos, pero comienza con Una. La que conduce a los demás es Laura Palmer. Laura es esa una.”

REVIEW EPISODIO PILOTO

Durante los primeros siete minutos y medio que arranca la serie, vemos como un hombre de un pacífico pueblo rodeado de bosques y dos montañas se acerca a pescar. Está amaneciendo, hay un aire de tensa calma en ese lugar en la frontera entre Estados Unidos y Canadá con 51201 habitantes. Entonces este hombre ve algo envuelto en unos plásticos trasparentes junto al río.

Es un cadáver, y en el minuto 7:30 escuchamos ese nombre que hizo girar la cabeza a medio mundo y que todavía hoy sigue vivo en el colectivo popular: Laura Palmer. Ella es la que está entre esos plásticos. Al menos su cuerpo, su vida, su alma, sus sueños y su espíritu continúa entre las historias que conforman el pueblo. 51200.

Laura es la reina del pueblo, guapa, popular, buena estudiante… un poco el ejemplo a seguir de  todo el mundo. Y la noticia de su muerte y asesinato deja conmocionados a todo el pueblo.

Ahí es donde llega el agente Cooper, a tratar de arrojar luz y descifrar el misterio de ¿Quién mató a Laura Palmer? Y al no haber un claro culpable tendrá que meterse en la intrahistoria de los habitantes donde cada uno guarda un misterio y una relación diferente, ya no solo con la víctima sino entre ellos.

ESTUDIOS DE CINE - EL CINE AUSTRALIANO Y NEOZELANDÉS CONTEMPORÁNEO

Viaje a las antípodas

Antes de los 90, la industria de cine australiana se encontraba claramente dividida en dos partes. Por un lado, el cine prestigioso de Fred Schepisi, Peter Weir y Gilliam Amstrong, que narraban típicas historias australianas: elaboradas, diseñadas con cuidado, ricas, artísticas y con una elegancia sutil.

Por otro lado, la industria de películas de serie B estaba en auge con comedias sexuales, y películas de aventura y acción y terror comúnmente llamado “Ozplitation”

Este nacimiento creativo se apodó como Australian New Wave que mucho tuvo que ver con las ayudas e impulsos de la Commonwealth y comenzaron a sufrir una crisis en 1980 debido a la reducción de ayuda estatal hasta que fue languideciendo más y más en películas dramáticas modestas de consumo propio.

No fue hasta los 90 cuando el continente australiano se abre cada vez más hacia fuera, empieza a crear una amplia diversidad temática y narrativa y abundan las colaboraciones internacionales con la idea de redefinir su imagen cultural y pasar página de su gran éxito anterior Cocodrilo Dundee (1986) y los dramas autóctonos de realismo social con fuerte contenido cultural y pocos matices “exportables”.

Gran parte del éxito corresponde a una generación de actores australianos que rompieron fronteras y ocuparon el star system mundial con su desembarco en Hollywood siguiendo los pasos de Mel Gibson, hablamos de Geoffrey Rush, Nicole Kidman, Russell Crowe, Cate Blanchett, Eric Bana, Toni Collete, Heath Ledger o Sam Worthington entre otros.

Peter Weir (1944) se consagraba en Hollywood con producciones americanas como Matrimonio de conveniencia (Green Card, 1990) y sobre todo lograba el respaldo definitivo con El Show de Truman (The Truman Show, 1998) y Master & Commander: Al otro lado del mundo (Master & Commander: The far side of the world, 2003).

Los directores autóctonos comienzan una nueva oleada con el fin de situar Australia en el mapa y dar nuevos aires al continente olvidando los conflictos de su pasado colonial y ofrecer una visión optimista e integradora.

Fruto de ésta ola surgen a comienzos de los 90 tres películas que serían claves para dar esta nueva imagen, tres grandes éxitos internacionales que rompieron los estereotipos y convenciones del cine Australiano hasta ese entonces con temas muy conocidos, espíritu desenfadado, guiones novedosos y casi autoparódicos y grandes interpretaciones. Hablamos de El amor está en el aire (Strictly Ballroom, 1992), La boda de Muriel (Muriel’s wedding, 1994) y Las aventuras de Priscilla reina del desierto (The adventures of Priscilla, queen of Desert, 1993). El colorido de las cintas, su carácter jovial, desenfadado y festivo y su marcada índole internacional provocaron éxitos de taquilla y reconocimiento por todo el mundo.

Con éstas reinvenciones de géneros Hollywood se fue interesando progresivamente en el estilo que surgía e iba adoptando como propios grandes nombres del continente.

El paulatino éxito y reconocimiento de la industria hacia el cine de las antípodas hizo que las películas fuesen cada vez más y más internacionales y fruto de ello llegaron los grandes titulares de la historia fílmica del continente: en 1993 Jane Campion consigue con El Piano (The Piano, 1993) ocho nominaciones a los Oscar y la palma de Oro en el festival de Cannes abriendo la puerta a la integración definitiva y la exportación internacional de su cine que se continuó con la comedia familiar Babe, el cerdito valiente (Babe, 1995) que obtuvo siete nominaciones a los Oscar y se mantiene vigente a día de hoy con continuas nominaciones y premios a cintas como Moulin Rouge!, Australia, Shine, Animal Kingdom y la que es, a día de hoy, la cinta más cara de la historia del país, la comedia musical de animación Happy Feet.

Mención aparte merece el neozelandés Peter Jackson (1961), que también traspasó fronteras con el drama Criaturas celestiales (Heavenly creatures, 1994) y la maquinaria de Hollywood le reclutó para llevar a puerto grandes proyectos con abultados presupuestos como la trilogía de El señor de los anillos y el remake de King Kong. Es de reseñar tanto éste director como Baz Luhrmann, pese a estar ampliamente integrados en los engranajes americanos continúan rodando en el continente pese a que toda la producción económica procede de grandes estudios estadounidenses consiguiendo potenciar y reactivar la industria fílmica del país.

Y es que en estos 20 años, Australia y sus cineastas han lavado la imagen del continente y convirtiéndose junto al Reino Unido en los brazos derechos del imperio americano y lanzando continuamente productos comerciales que obtienen un gran éxito internacional como El Santuario (Sanctum,2001), Daybreakers (Daybreakers, 2011), Mañana cuando la guerra empiece (Tomorrow when the war began, 2010), Wolf Creek (Wolf creek, 2005) o El territorio de la bestia (Rogue, 2007). Cintas cuya nacionalidad es solo una acepción ya que se fabrican para convencer a la audiencia global.

TARDE DE PERROS (1975) - ****1/2

Atracando un banco con lo puesto

Hay un momento de giro en “Tarde de perros” que da el tono conciso de la cinta. En él un atracador sale con dos rehenes, una mujer y un hombre para entregar a la policía a éste último. Entonces la mujer tiene la opción de escapar y la policía se lo grita “Huye, corre” y entonces ella responde mientras mira a la prensa reunida “Mi sitio está con mis chicas” y se vuelve dentro con el resto de rehenes y atracadores mientras se atusa el pelo.

No lo hace por heroísmo, ni por valentía sino por seguir en el centro de la cobertura mediática que se está realizando en directo. Lo habéis adivinado, ella lo está disfrutando.

Eso es lo grande de “Tarde de perros” (Dog day afternoon, 1975) que consigue encontrar el punto de ironía, crítica y acidez a través de un guión brillante sin caer en la sátira, la burla o la parodia.

El argumento de la película es sencillo, un grupo de atracadores inexpertos encabezados por Al Pacino se lanzan a atracar un banco en un acto rápido que terminaría en 10 minutos, sin embargo la inexperiencia de ellos les lleva a verse atrapados en el banco mientras el atraco se convierte en todo un espectáculo televisivo y con público en directo que aplaude y jalea como si de un mero show se tratara.

A través de este argumento el guión se sirve para ofrecer una crítica afilada contra muchos frentes: la opinión pública, el poder mediático, la ineptitud policial, el sistema laboral americano, la creación de héroes, la homosexualidad, el matrimonio…

Crítica de TV - GALA DE EUROVISION: PASTORA SOLER - 0/10

 ¿Y si mejor no vamos?

¡¡Lo han vuelto a hacer!! Y parecía imposible, pero Televisión Española ha vuelto a hacer la peor gala de selección de tema de eurovisión de la historia. Y eso que cada año pone el listón más alto.

Este año lo tenían más sencillo, nada de artistas noveles, ya teníamos a la cantante escogida y tenía que cantar 3 canciones. Algo sencillo, simple, fácil y con posibilidad de hacer algo con ritmo y buen gusto. Error. Esto es televisión española y se han empeñado en hacerlo lo peor posible. Lo bueno es que lo han conseguido, lo malo es que seguimos dando una imagen de país chapucero, cutre, inepto y muchos más adjetivos en la que puede haber sido una de las galas más vergonzosas del panorama televisivo en años.

En primer lugar para elegir entre tres canciones una gala no se puede ir a más de 2 horas de duración, sin orden, sin un guión claro y con todo el mundo perdido de lado a lado.

Para el plató reciclaron un poco el de las galas de nochebuena y pusieron un escenario enorme, con un sofá inmenso en el que solo se sentaban dos personas y al público lo embutieron en medio metro cuadrado con dos mesas camillas ahí puestas. Daba un aspecto muy raro todo ello por televisión.

La cosa comienza con Pastora cantando los tres temas y una pequeña pausa entre uno y otro para que se cambiara de vestido sin parar y mientras tres personas autodenominadas “eurofans” hablaban sobre… bueno da igual, en realidad no decían nada excepto que estaban encantados de estar ahí y de Pastora y… vamos que TVE está harta que les insulten y les ha dado voz para decir más bien poco. Uno de ellos dijo ser especialista en temas de eurovisión. Nunca encontré esa especialidad en ningún doctorado, pero oye, soñar es gratis.

También salían coreógrafos diciendo cómo podían quedar bien las canciones, pero ¡cuidado! No lo ponían en escena no vaya a ser que el espectador se entretuviera. Y es que las tres canciones fueron interpretadas igual: sin juegos de luces, ni coreografía, ni nada de nada. Pastora salía y cantaba. Y punto. No vaya a ser que preparasen una puesta en escena y los espectadores disfrutáramos de algo visual. Que sí que Pastora canta bien, pero podían haber puesto un ventilador, o algo.

Y mientras Anne Igartiburu casi en pijama presentando como si hubiese ido a los estudios a comprar pan y le hubieran dicho “ey yú, la de Marina D´Or, métete ahí un rato a presentar lo de eurovisión” y ella “pero si no tengo ni idea” y los otros “da igual, si esto no lo ve nadie”.

Así que ahí andaba diciendo cosas como “tenemos los mejores profesionales de la música en el jurado, reputadísimos” y eran tan conocidos que miraba las tarjetas para leer quiénes eran.

Además alguien la timó con el autobronceador y tenía la cara naranja, pero naranja naranja. Vamos que con el cuerpo de un color y la cara de otro pensaba que cada vez que abriese la boca iba a salir un caramelo PEZ.

Entre medias también hubo un concurso telefónico del que la Igartiburu dijo literalmente que “no sabía cómo funcionaba” y del que por supuesto los teléfonos no iban, las llamadas no iban y no había plan b preparado. La gala no saldrá en ningún zapping porque toda ella se podría emitir en el mismo. Sin corte alguno.

Las cosas surrealistas seguían con un experto en moda diciendo qué vestidos podría llevar Pastora o cómo iría guapa y la pobre estaría detrás pensando “¿quién es esta gente y por qué opinan de mí?” pues eso, que nadie lo acertamos

Luego salió una chica a regalar joyas de plástico buenísimo a Pastora para darle suerte y un montón de gente en plan diario de Patricia (marido, hermanos, sobrinos…) con el fin de hacer llorar a Pastora y conseguir que alguien se emocionara en semejante sopor. Hasta su sobrina le hizo un dibujo. Fíjense qué momentazo.

También cantaron los de siempre, con Sergio Dalma por ahí que no había encontrado la salida de ese especial que nos “regaló” en nochebuena y que se marcó un playback alucinante en un plató acondicionado para el directo y con un pinganillo para… bueno esos misterios que suceden en televisión española. Luego a quejarnos de cómo va la música... atajo de sinvergüen...

Después una chica de Azerbaiyán se puso hablar en vete a saber qué idioma con Anne Igartiburu y luego dijo lo bien que se come en ese país (sobre todo chuletas de cerdo) y cantantes trataron de hacerse promoción deseando suerte a Pastora.

Y como siempre en estas galas el sonido fue pésimo con micrófonos que no funcionaban, voces distorsionadas, música en canciones muy alta o que desaparecía de repente… pero bueno, lo típico. Ya estamos acostumbrados.

También hubo un pianista dándole sin parar a las teclas interpretando canciones lentísimas y la partitura de las tres canciones en modo bucle infinito dando una sensación de velatorio apabullante. Hubo un momento en que Anne pidió un redoble al pianista. Pobreta.

Al final salió elegida “Quédate conmigo” con la máxima votación tanto de jurado como de televoto, pero eso es lo de menos porque casi nadie estábamos espabilados a esa hora, en la que lo único que brilló fue la voz de Pastora y su interpretación junto a Malú y Bustamante, que tiene tablas. Pero es una pena que no se sepa adornar con algo de espectáculo televisivo todo esto.

En resumen, que solo quiero ganar eurovisión para ver que cutre gala prepara televisión española porque lo de esta noche ha sido de vergüenza ajena y encima ni ha salido Jimmy Jump a hacer algo. Al menos gané algún seguidor en twitter donde nadie dijo nada bueno de la gala.

DUELO AL SOL (Duel in the sun, 1946) - ****

 Del amor al odio no hay ni un paso

La historia del cine está plagada de ejemplos de ejemplos de películas que se hacen y confeccionan con propósitos más allá de los estrictamente cinematográficos, películas que se hacen con el propósito del lucimiento de un actor o una actriz o que tratan de continuar la estela de éxito de una cinta que despunta en un momento concreto y que beben de seguir dando al público lo que en ese momento parecen querer ver.

Conocer la intrahistoria de Duelo al Sol (Duel in the sun, 1946) es saber que se trata del empeño de un productor David O. Selznick que firma el guión adaptando una novela de éxito de Niven Busch que tiene muchos puntos en común con el enorme éxito de la época “Lo que el viento se llevó” que el propio productor llevo a la cima del estrellato mundial. Ahora prepara un gran vehículo similar al servicio y beneficio de su novia por entonces: Jennifer Jones.

Éstos datos aportan y situan la obra en el mapa y el por qué la cinta tuvo tanta repercusión en su año y al final no ha soportado el peso del recuerdo como muchas cintas coetáneas, muchas de ellas de incluso menor calidad y entretenimiento que este “Duelo al Sol”.

Porque la cinta cuenta una historia potente, la historia de una mujer de bandera, fuerte, con carácter y luchadora, la de Perla, una mestiza que ve cómo su padre mata a su madre y al amante de éste en un ataque de celos y es enviado a la horca por ello.

Es entonces cuando la protagonista es enviada junto al amor de la juventud de su padre que ahora se halla casada con el senador y vive en una hacienda texana llamada “Pequeña España”.

Allí tendrá que vivir bajo el rechazo del senador y su estricta y racista mirada (“la culpa es de esa india”) y sobre todo de los dos hijos de la pareja. Por un lado un galante noble, educado y considerado interpretado notablemente por Joseph Cotten y otro impulsivo, chulesco y canalla interpretado con maestría, encanto, química y fascinación por Gregory Peck.

Pronto ambos caerán enamorados por la protagonista y rivalizarán por su amor.

Ése es el melodrama protagonista de la cinta, que pese a que el envoltorio es el de un western, el corazón es el de un melodrama con ecos de tragedia griega relleno de conflictos sentimentales y protagonista y eje femenino. Ya dije que la estela de “Lo que el viento se llevó” es la que impulsó a confeccionar ésta cinta.

LOS MUPPETS (2011) - ****

Mah na mah na chu chu chururu

Hay algo mágico en la nostalgia, es un sentimiento único que apela a unas emociones positivas y que te hace volver a disfrutar de un recuerdo. Te permite apelar a ese rinconcito de tu memoria y decir “¡Eh! Esto es lo que tú sentías, ¿recuerdas esas tardes de bocadillos de nocilla frente al televisor?” y entonces vuelven a ti esas sensaciones y te conviertes en aquello que eras.

El cine ha tratado de revitalizar eso llamado nostalgia y aprovecharlo en su beneficio cada dos por tres, el ejemplo más claro y reciente es The Artist que hasta incluye partes del score de “Vertigo” para hacerte aflorar esas sensaciones. Es muy discutible esta técnica (¿acaso no puede la película establecerse como un nuevo recuerdo sin apelar al pasado?) pero es desde luego efectiva. Y a mí me sirve.

La película de los Muppets revitaliza ese show televisivo y te vuelve a transportar a ese lugar en tu memoria, y gran parte del éxito de la cinta radica en ello, en volver a ver esa cabecera y esos carismáticos personajes que se niegan a abandonar nuestras retinas.

Muchos dirán que el gran parte del éxito de esta pequeña joya festiva radica en esa interpelación, pero hay que reconocer que esta nueva versión de los Muppets tiene vida y alma propia, tiene simpatía, frescura, originalidad y la suficiente jovialidad para valerse por sí misma. Es cierto que los personajes son los que están inventados por Jim Henson en su mayoría (hay hueco para un nuevo) y que lo que eleva la cinta es la personalidad de ellos y el diseño que se sigue manteniendo de marionetas que se mantiene fresco en estos tiempos en que se puede hacer cualquier cosa a golpe de click. Pero, los que dicen eso que revisiones ese “Los teleñecos en el espacio” de 1999 o “los teleñecos en la isla del tesoro” para ver la diferencia de la magia.

Y es que lo bueno de esta revisión de los teleñecos es que está actualizada y pasada por el filtro de lo contemporáneo. En esta película el argumento es el de dos “hermanos” uno de ellos humano, otro muppet que crecen juntos y uno se siente aislado del mundo hasta que ve el show televisivo de Gustavo y compañía y siente que pertenece a un lugar. Cuando el humano va a celebrar el aniversario con su novia a Los Angeles invitan a este muppet para visitar el estudio de los mismos y ya está abandonado.

WAR HORSE (2011) - ***1/2

7 cascabeles tiene mi caballo...

Lo de War Horse sobre el papel es apostar por el caballo ganador: se trata de una novela adaptada con un éxito brutal al teatro y con innumerables premios en su haber, entre ellos un reciente Tony que viene a ser algo así como el Oscar de las tablas escénicas.

Lo que menos me sorprende tras ver la historia, una de esas poderosas epopeyas que tiene un núcleo sentimental y a través de él vamos viendo acontecimientos históricos sin abandonar nunca esa pátina de sentimientos de bondad entre los personajes protagonistas que se ven empujados por culpa de los malos malísimos a luchar por el bien humano en un mundo cruel (pero siempre con un toque blandito). Pues, lo que menos me sorprenda es que Steven Spielberg haya sido el encargado de trasladar ese potencial en celuloide.

De todos es sabido que Steven Spielberg tiene dos vertientes muy marcadas en su filmografía: Por un lado el más comercial, palomitero, familiar y autor de grandes blockbusters; y por el otro el de un cine mucho más “adulto” y complejo, más serio y trascendental.

Cierto que ha tenido sonoros patinazos en ambas vertientes como El mundo Perdido en la primera o Amistad en la segunda, pero también ha sabido hacer grandes obras maestras del cine de entretenimiento (“Tintin y el secreto del unicornio” es la última) y del cine adulto (“La lista de Schindler” o “Salvar al soldado Ryan”), en War Horse el autor ha querido aunar todas sus vertientes en una sola cinta y el resultado es un poco confuso, porque tenemos dos películas pegadas una tras la otra y nunca termina de encontrar la justificación del tono de la primera en la segunda. Me explico.

La historia comienza en la granja de la familia protagonista, a punto de la quiebra y cuyo padre (alcohólico, pero de buen corazón) invierte todo su dinero en un caballo enclenque que no le va a ayudar a arar la tierra. Pero él cree en el caballo y su hijo se enamora de él y se encarga de enseñarle a tratar la tierra. Esta primera media hora me pilló con el pie cambiado, esperaba ver al Spielberg más serio y el tono es el de una comedia familiar al más puro estilo “Babe, el cerdito valiente”, de hecho por momentos pensaba que los animales se pondrían a hablar.

Además el diseño de personajes en esta etapa es pura caricatura, el malo es muy malo y con los ángulos y sus frases nos muestran una unidireccionalidad tan cargante que parece un personaje Disney o de James Cameron (oh! Soy malo y hago el mal porque para algo soy el malo).

Y de repente, cuando estaba al borde de quedarme patidifuso, el padre (un borracho Peter Mullan que siempre hace de alcohólico en cada una de sus cintas) vende el caballo al ejército y empieza la cinta propiamente dicha. Joey y Albert se separan pensando que no se volverán a ver y vamos contemplando los distintos pasajes de la vida de Joey y como va pasando de manos, de bandos y su periplo a manos alemanas, francesas e inglesas.

Atención al doblaje, porque es de ese en el que los actores hablan español “con acento” lo cual es irritante para cualquier amante de la versión original. Incluso hay un momento en el que se acercan un inglés y un alemán y uno le dice al otro en perfecto castellano “¡Qué bien hablas mi idioma!” y el otro contesta con acento germano “estudié en tu país”. ¡¡Pues habla en castellano neutro y ya está!! Me ponen nerviosísimo esas cosas, lo siento.

Tenemos un pasaje de respiro en una granja francesa y luego vemos cargar al caballo con la artillería de la primera guerra mundial en primera línea de batalla.

Y aquí es dónde la película consigue encontrar su pulso tras esa primera media hora tan extraña. El realismo de estas escenas de guerra nada tiene que envidiar con el desembarco de Normandia de “Salvar al soldado Ryan”, las guerras son un infierno y nunca nos habían mostrado el punto de vista de un caballo, por lo que la cinta encuentra su miga en ver como los animales son lanzados en un caos satánico donde se encuentran asustados, confusos y aterrorizados.

Joey tiene la suerte de encontrarse en ambos mandos con jefes que respetan a los caballos, pero como explica perfectamente un personaje un caballo es un arma que debe ser usada o destruida. De hecho creo que parte del mejor montaje de Spielberg como director podría envolver esos planos de Joey galopando y trasmitiendo pánico entre las trincheras y arrastrando el alambre de espino con fuerza mientras su carne se va magullando.

El problema principal de la cinta es que le pesa la narrativa. No hay un centro y todo son una conjunción de episodios en los que vemos como el destino de Joey se va convirtiendo en más y más doloroso (y sobre todo traumático para los más pequeños a los que iba dirigido el primer segmento).

Sin embargo, técnicamente la película consigue lo que el guión no logra y es hacer coherente toda la historia. El trabajo de fotografía es como un cuadro pintado sobre la pantalla, puro arte en iluminación, en encuadres y en colorido que ven su máximo exponente en los planos finales, capaces de reavivar emociones en cualquier amante del cine. El cielo, pintado en tonos rojizos y anaranjados por el atardecer y un jinete se aproxima, desciende, abraza a una mujer y un hombre y todos abrazan la cabeza de un caballo. La música, en una partitura brillantemente compuesta por John Williams, nos enternece el corazón y la estampa, que podría salir de un western de John Ford, nos manipula hasta ablandarnos cada parte de escepticismo.

Y es que hay que reconocerlo, Steven Spielberg es un director de primera fila que conoce el efecto sobre el espectador como nadie y sí, es un manipulador con las emociones, pero, ¿acaso no vamos al cine a emocionarnos?

Con lo cual, la película es puro Spielberg, es puro sentimiento y técnicamente impecable, pero a la vez es incoherente en su tono y estructura y la cantidad de casualidades y encuentros y reencuentros que suceden en la cinta puede llegar a crispar las tragaderas de cualquiera que busque en War Horse algo más que espectáculo.

En resumen, War Horse es una película disfrutable, técnicamente preciosa y con un gran corazón dentro. No es perfecta, pero si el espectador es bondadoso y se deja sumergir en las emociones tiene un final tan gratificante como para olvidarse de sus errores y salir de la sala a galope con un sentimiento de haber disfrutado.

Lo mejor: La fotografía

Lo peor: el doblaje y el hecho de ser casi dos películas pegadas

Vete a verla si… te gusta el cine de Steven Spielberg

Valoración: 7/10

Crítica de TV - ENLIGHTENED (Primera temporada) - 9/10

Buscando el enfoque a la vida

Imagino que como casi todos vostros leo muchos blogs, estamos en twitter y nos dejamos influir muchas veces de manera errónea por el gusto del resto, de manera que algunas veces aciertan con nuestros cánones personales y otras tantas no. Al leer la sinopsis de una nueva serie de HBO Enlightened (Iluminada, 2011) me pareció un argumento curioso, el cómo una persona pasa del estrés y de una ruptura a un estado de bienestar teniendo que lidiar con los mismos problemas que tenía antes.

Además de eso tenía buenos ingredientes, con la actriz Laura Dern de protagonista y muy metida en el proyecto como productora y grandes nombres en la dirección: el enorme Miguel Arteta (The good Girl) y el oscarizado Jonathan Demme (El silencio de los corderos). Además la serie es de una duración muy apurada que no llegaba a la media hora y pocos capítulos por temporada, 10 para ser concretos. Todo pintaba perfecto y me apetecía mucho ver la serie hasta que de repente una gran corriente críticas negativas me la quitaron del horizonte y la dejé pasar. Cuando Laura Dern ganó el globo de Oro me dije “ten tu propia visión, ve la serie y saca tus conclusiones”. Así que eso hice y ha sido uno de los grandes aciertos que he realizado en mucho tiempo, Enlightened me parece una pequeña joya del cine independiente enfrascada entre unos personajes adorables que huyen de las convenciones televisivas actuales y que habla de frente sobre la vida. Me vi la serie en tres días. Os digo todo.

¿Pero de qué va concretamente Enlightened? Pues de una mujer que se acostaba con su jefe y ve como de la noche a la mañana la relegan de su departamento, que ella creía su vida, y tiene un ataque de nervios que la hace salirse por completo de sus casillas. Entonces decide ingresar en una clínica de rehabilitación donde aprende a buscar la luz y tratar de reprimir sus cambios bruscos de humor, después vuelve al trabajo donde la han relegado al sótano a un trabajo ridículo y tiene que tratar de lidiar con su nueva vida: sus amigas y compañeras de trabajo piensan que está loca y se burlan de ella completamente, su ex marido es un adicto a las drogas y ella tratará de ayudarle, su antiguo jefe la rehúye y tiene que vivir con su madre que nunca le ha dado el afecto que necesita y tienen una relación peculiar.

En su nuevo puesto conocerá a una tropa de solitarios, de gente corriente, de perdedores de la sociedad, de marginados y ella tratará de nadar entre ellos con diferentes maneras y formas de ser. Mientras tanto buscará un sentido a su vida y reprimir sus ataques de ira y locura.

Reconozco que es una serie muy peculiar y particular y que yo me siento incómodamente identificado con ella, yo también he sabido lo que es perder la cabeza y hacer cosas que parecen locuras pero que en tus ojos parecen justificadas, y esta serie es una especie de terapia reveladora, de un libro de autoayuda enfrascado entre historias corrientes, una serie que no tiene un sentido lineal, ni un misterio que resolver ni una línea de guión clara, sino un estudio de personajes y caracteres que bebe directamente del nuevo cine independiente americano, plagado de perdedores: el capítulo noveno sin ir más lejos, es puro, auténtico, sincero, nostálgico y profundamente triste.

Uno de los mayores hándicaps de la serie es que la han vendido como comedia, lo cual es absurdo desde cualquier punto de vista, esta serie es un drama. un drama humano, un drama cercano del día a día corriente de las personas y, es cierto, que tiene toques de comedia principalmente surgidos por la portentosa interpretación de Laura Dern, pero no deja de ser triste todo lo que le sucede, y más aún cuando comprendes su psicología y lo mucho que se está esforzando en encajar con el prototipo que se espera de ella.

Como secundarios tenemos a Mike White, creador, guionista y director de varios capítulos que le conocemos por Escuela de Rock y por su doble participación en el reallity “The Amazing Race” junto a su padre (como curiosidad hay un cameo en dos episodios de Victor que compitió en la edición 14 junto a su hermana). Otro de los secundarios como ex marido de la protagonista es Luke Wilson que da en cuerpo y alma a un verdadero perdedor y creador de algunas de las situaciones más incómodas de la serie (las veces que se droga, prostitutas…), aunque la verdadera alma de las secundarias es Diane Ladd cuyo capítulo protagonista es de tal preciosidad y difícil composición que solo puedo alabar la entereza de su interpretación.

En resumen, Enlightened es mucho más que una portentosa interpretación de Dern, es algo totalmente diferente a lo que hay hoy en día en televisión, no es tanto una serie sino fragmentos de cine independiente con toques de autoayuda. No es una serie mainstream, no es una comedia y no suceden demasiadas cosas pero con la mesura justa y simplemente con tratar de comprender a los personajes se puede convertir en una de tus series favoritas. Para mi una auténtica revelación y disfrutable en cada plano.

Ponte a verla si… te gusta el cine independiente americano estilo Ghost World, American Splendor…

Lo mejor: Las interpretaciones, el tono de la serie y el noveno episodio. Puta obra maestra

Lo peor: Algunas veces es excesivamente irritante la protagonista por no reaccionar, pero todos lo hemos hecho en la vida.

Valoración: 9/10

VIP CINE AWARDS 2011 - CAT. EXTRAS DE INTERPRETACIÓN (10/30)

SEXPOT DEL AÑO


Esos actores con magnetismo que nos cortan las respiración con sus escenas


Historia:
2002 – Diane Lane (Infiel)
2003 – Ludivine Sagnier (Swimming Pool)
2004 – Nikki Reed (Thirteen)
2005 – Maria Bello (Una Historia de violencia)
2006 – Gong Li (Memorias de una Geisha)
2007 – Las chicas al completo (Death Proof)
2008 – Ludivine Sagnier (Una chica cortada en dos)
2009 – James Franco (Mi nombre es Harvey Milk)
2010 – Jon Kortajarena (Un hombre soltero)


Y los nominadas de 2011 a MEJOR SEXPOT DEL 2011 son